SaltaInTeatro - l’agenda teatrale romana, settimana dal 13 al 19 marzo

Scritto da  Domenica, 12 Marzo 2017 

Al Teatro Vittoria Khora Teatro porta in scena, dal 14 al 19 marzo, una particolare versione dell’Odissea di Omero, archetipo di ogni viaggio, per riscoprire la contemporaneità del mito di Ulisse, con la regia di Vincenzo Manna e Daniele Muratore, ed un nutrito cast di attori tra i quali spicca il talentuoso Jacopo Venturiero.

Debutto molto atteso è quello di La Classe di Vincenzo Manna, con la regia di Giuseppe Marini, che sarà in scena al Teatro Marconi dal 18 marzo sino al 9 aprile. Una fotografia dei giorni d’oggi, con gli elementi di un quotidiano decadimento: la crisi economica, i conflitti sociali, la criminalità.

Al Teatro Argentina sarà in scena Madame Pink con la regia dell’argentino Alfredo Arias, che torna alla commedia musicale con un melodramma surreale, uno spettacolo un po’ irriverente con musica, canzoni e… un cane.

Al Brancaccino prosegue la rassegna Una Stanza tutta per Lei con uno spettacolo di Valeria Perdonò, Amorosi assassini. Una riflessione sui casi di violenza sulle donne realizzata con ironia e leggerezza.

Ultima settimana per godere di un classico pirandelliano, I Sei Personaggi in cerca d’Autore nella visione di Daniele Salvo. Al Teatro Ghione fino a domenica 19 marzo.

Tanti altri spettacoli in scena a Roma, non c’è che da scegliere all’interno di questo articolo. Buona visione con SaltinAria!

 

I Debutti della Settimana


ODISSEA
da Omero a Derek Walcott
regia Vincenzo Manna e Daniele Muratore
con Jacopo Venturiero, Elisa Di Eusanio, Francesca Agostini, Federico Brugnone, Eleonora Pace, Daniele Paoloni, Daniela Vitale, Matteo Guma, Caterina Marino, Gianluca Passarelli
scene e costumi Marta Crisolini Malatesta
musiche Giacomo Vezzani luci Andrea Burgaretta
supervisione artistica Andrea Baracco
una produzione Khora.teatro

Khora.teatro offre la propria versione dell’Odissea di Omero, archetipo di ogni viaggio, per riscoprire la contemporaneità del mito di Ulisse, traendo spunto dalla vasta tradizione di opere ispirate al ciclo omerico ed in particolare, dal modello inaugurato dalla versione teatrale di Derek Walcott, poeta e drammaturgo caraibico, fondatore del Trinidad Theater Workshop, Premio Nobel per la Letteratura nel 1992.
La ricomposizione del mito epico, incarnato in Ulisse e nelle altre figure che lo accompagnano, rappresenta in questo allestimento una fase del processo editoriale di ri-costruzione della cultura occidentale e di creazione di una nuova identità culturale attraverso il teatro. Si tratta di uno spettacolo che parte dal classico per parlare del contemporaneo, della nostra vita, del nostro oggi e lo fa attraverso un gruppo di giovani attori diretti dagli altrettanto giovani Vincenzo Manna e Daniele Muratore, sotto l’occhio e la cura attenta di Andrea Baracco.
Il viaggio di Ulisse come metafora della vita contemporanea: infiniti mondi, infiniti incontri, infiniti mostri, infiniti spazi mentali in cui grazie al potere dell’immaginazione e alla forza della narrazione si muove un eroe moderno, ironico e sognatore, ma che scopriamo anche fisico e dotato di un certo erotismo. Le modalità di trasposizione contemporanea del testo, destrutturata e frammentaria, ma sempre strettamente popolare e fruibile, vuole mettere in scena un’Odissea mai metaforica, con l’obiettivo concreto di proporla come un’utile guida per chi non vuole annegare nella “modernità liquida” di questo secolo. L’adattamento assume come modello la struttura del dramma elisabettiano che dà la possibilità, nella messa in opera, di giocare con accorgimenti scenici ed evocativi, che coinvolgono lo spettatore in una visione spettacolare ed emozionante sempre in bilico tra passato e presente, immaginazione e realtà.

TEATRO VITTORIA / ATTORI & TECNICI - Piazza S. Maria Liberatrice 10, 00153 Roma (Testaccio)
dal 14 al 19 marzo 2017 ore 21.00 (domenica ore 17.30 , mercoledi 15 ore 17.00)
Biglietti: intero platea 28, intero galleria 22 (compresi 3 euro di prevendita)
ridotti in convenzione: platea 21 e galleria 18 (compresi i 3 euro di prevendita)

Info e prenotazioni: telefono 06 5781960, mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo.
Sito web: www.teatrovittoria.it


Società per Attori presenta
LA CLASSE
di Vincenzo Manna
con (in ordine di apparizione)
Andrea Paolotti, Cecilia D'Amico, Tito Vittori, Carmine Fabbricatore, Edorardo Frullini, Valentina Carli, Giulia Paoletti, Haroun Fall
e con la partecipazione straordinaria di Ludovica Modugno
regia Giuseppe Marini
scene Alessandro Chiti
costumi Laura Fantuzzo
musiche Paolo Coletta
light designer Javier Delle Monache

La programmazione del Teatro Marconi di Roma continua dal 18 marzo al 9 aprile con lo spettacolo "La Classe", scritto da Vincenzo Manna e diretto da Giuseppe Marini. Un cast di attori molto ricco calcherà il palco del teatro diretto da Felice Della Corte. Andrea Paolotti, Cecilia D'Amico, Tito Vittori, Carmine Fabbri-catore, Edorardo Frullini, Valentina Carli, Giulia Paoletti, Haroun Fall con la partecipazione straordinaria di Ludovica Modugno daranno vita allo spettacolo che è il risultato di un progetto nato dalla sinergia di soggetti operanti nei settori della ricerca (Tecné), della formazione (Phidia), della psichiatria sociale (SIRP) e della produzione di spettacoli dal vivo (Società per Attori).

I giorni di oggi. Una cittadina europea in forte crisi economica. Disagio, criminalità e conflitti sociali sono il quotidiano di un decadimento generalizzato che sembra inarrestabile. A peggiorare la situazione, appena fuori dalla città, c’è lo “Zoo”, uno dei campi profughi più vasti del continente che ha ulterior-mente deteriorato un tessuto sociale sull’orlo del collasso ma, parados-salmente, ha anche portato lavoro, non ultima la costruzione di un muro intorno al campo per evitare la fuga dei rifugiati. Alla periferia della cittadina, in uno dei quartieri più popolari, a pochi chilometri dallo “Zoo”, c’è una scuola superiore, un Istituto Comprensivo specializzato in corsi professionali che avviano al lavoro. La scuola, le strutture, gli studenti e il corpo docente, sono specchio esemplare della depressione economica e sociale della cittadina.

Albert, straniero di terza generazione intorno ai 35 anni, laureato in Storia, viene assunto all’Istituto Comprensivo come Professore Potenziato: il suo compito è tenere per quattro settimane un corso di recupero pomeridiano per sei studenti sospesi per motivi disciplinari.
Dopo anni in “lista d’attesa”, Albert è alla prima esperienza lavorativa ufficiale. Il Preside dell’Istituto gli dà subito le coordinate sul tipo di attività che dovrà svolgere: il corso non ha nessuna rilevanza didattica, serve solo a far recuperare crediti agli studenti che, nell’interesse della scuola, devono adempiere all’obbligo scolastico e diplomarsi il prima possibile.
Tuttavia, intravedendo nella loro rabbia una possibilità di comunicazione, Albert, riesce a far breccia nel loro disagio e conquista la fiducia della maggior parte della classe. Abbandona la didattica suggerita e propone agli studenti di partecipare ad un concorso, un “bando europeo” per le scuole superiori che ha per tema “I giovani e gli adolescenti vittime dell’Olocausto”.
Gli studenti, inizialmente deridono la proposta di Albert, ma si lasciano convincere quando questi gli mostra un documento che gira da qualche tempo nello “Zoo”: foto e carte di un rifugiato che prima della fuga dal paese d’origine aveva il compito di catalogare morti e perseguitati dal regime per il quale lavorava. È quello l’Olocausto di cui gli studenti si dovranno occupare.
La cittadina viene però scossa da atti di violenza e disordine sociale, causati dalla presenza dello “Zoo”. Le reazioni dei ragazzi sono diverse e a tratti imprevedibili. Per Albert è sempre più difficile tenere la situazione sotto controllo…

Il progetto ha preso l'avvio da una ricerca condotta da Tecné, basata su circa 2.000 interviste a giovani tra i 16 e i 19 anni, sulla loro relazione con gli altri, intesi come diversi, altro da sé, e sul loro rapporto con il tempo, inteso come capacità di legare il presente con un passato anche remoto e con un futuro non prossimo.
Gli argomenti trattati nel corso delle interviste hanno rappresentato un importante contributo alla scrittura drammaturgica del testo "La Classe" da parte di Vincenzo Manna.
Un innovativo esperimento di data storytelling che prevede, inoltre, in collaborazione con Phidia e Sirp Lazio, la realizzazione di una serie di incontri-lezioni sul tema dell'accoglienza con gli studenti di alcuni Istituti scolastici del territorio laziale.

TEATRO MARCONI - viale Marconi 698 E, Roma
dal 18 marzo al 9 aprile 2017
dal martedì al sabato ore 21.00, domenica e mercoledì ore 17.30

Info e prenotazioni: mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo. , telefono 06 59.43.544
Sito web: www.teatromarconi.it


MADAME PINK
commedia con canzoni e cane
scritta da Alfredo Arias e René de Ceccatty
musiche Mark Plati e Mauro Gioia
regia Alfredo Arias
con Gaia Aprea (Madame Pink), Flo (Roxie), Mauro Gioia (Goodman), Gianluca Musiu (Badman), Paolo Serra (Regularman, Dr Tore, Inspector Shake)
scene Agostino Iacurci - costumi Marco De Vincenzo
disegno luci Cesare Accetta - maschera Erhard Stiefel
testi delle canzoni Alfredo Arias e Mauro Gioia
arrangiamenti musicali Mark Plati
musiche eseguite dal vivo da Giuseppe Burgarella (tastiere), Ben Croze (chitarre),
Marco Di Palo (basso), Salvatore Minale (batteria)
foto di scena Giovanni Ambrosio
Produzione Teatro Stabile di Napoli - Teatro Nazionale

Il regista argentino Alfredo Arias torna al mondo della commedia musicale con un melodramma surreale e animalesco, a metà strada tra un cartone animato disneyano, uno spettacolo di Broadway e un noir con inserti quasi splatter. MADAME PINK, in scena dal 14 al 19 marzo al Teatro Argentina, nuova produzione del Teatro Stabile di Napoli-Teatro Nazionale, racconto assai irriverente di un sogno rosa che si trasforma in un nero incubo.
Protagonista della vicenda la dolce cagnolina Rossy, una bestiola apparentemente tenera che sa parlare, rifiuta le crocchette e pasteggia a caviale e champagne. A comprarla è stata Madame Pink che, come suggerito dal buffo cognome, sogna una vita dal color di favola. Col passare del tempo, tuttavia, Rossy mostrerà un’indole da feroce assassina, tingendo di rosso vermiglio i destini dei protagonisti.

Un melodramma sul Nord America, con uno sguardo critico e ironico sulla cultura imperante negli scintillanti ambienti di Hollywood e Broadway, luoghi fondamentali nel panorama cinematografico e teatrale. Si parte da una cultura visiva che si rifugia nel mondo irreale degli animali che parlano, tra cui l’elefantino volante della Disney Dumbo, per arrivare poi ad Elephant, l’impeccabile film di Gus Van Sant. Da qui prende corpo una storia ricca di riferimenti cinematografici, ritrascritta con un puro vocabolario teatrale, fino a sfociare in una sintesi perfetta delle due arti. «Qualcuno mi ha chiesto perché avessi fatto di un cane il cattivo o, meglio, la cattiva della storia – racconta il regista Alfredo Arias – Di solito un cane è considerato un buon compagno, e invece di causare turbamenti, si aspetta da lui che ci regali un certo conforto. Mi sono domandato cosa il cinema americano mi avesse insegnato sugli esseri umani, e sono giunto alla conclusione che questo cinema si struttura sull’idea generica di crudeltà. Pensandoci e guardando questo panorama da abbastanza lontano, mi sono accorto di quanta violenza si nasconde in queste storie, sotto gli strati di felicità che conducono all’happy end». Dunque, dopo Concha Bonita, un altro spettacolo teatrale sulla memoria del cinema per Alfredo Arias che firma la regia di una brillante commedia di Broadway che sfocia nel melodramma dei noir americani, ispirandosi a quei film che, pur basandosi sull’innocenza e l’ingenuità, non nascondono la crudeltà che la società attuale utilizza come linguaggio di sopravvivenza.

Tra canzoni, atmosfere suggestive, colori e technicolor, si narrano così terrificanti problemi esistenziali che trovano un barlume di speranza all’ultimo momento. «In Madame Pink – continua Alfredo Arias – la complessità del melodramma nel cinema noir americano si sposa con lo spirito diretto e innocente degli spettacoli di Broadway. In un mondo di animali che parlano – come nei film di Walt Disney – accadono situazioni al limite dell’umano. Madame Pink può essere considerato un lavoro ispirato alla cultura americana anche se espressione della mia visione del mondo. È una commedia con canzoni, non un musical o una commedia musicale. Ci siamo ispirati alla musica americana degli anni ’70 e ’80 rivista da Mark Plati e Mauro Gioia in un largo ventaglio di suggestioni. Madame Pink, come tutte le eroine del melodramma, è una donna esposta alla crudeltà del mondo ma condannata a finire la sua vita con un happy End. La povera Madame non immaginava che una cagnolina trasformasse la sua esistenza in una vita da cani».
In scena un universo irreale interpretato da Gaia Aprea nel ruolo della Madame del titolo, Flo (Roxie), Mauro Gioia (Goodman), Gianluca Musiu (Badman), Paolo Serra (Regularman; Dr. Tore; Inspector Shake), accompagnati in scena dai musicisti Giuseppe Burgarella (alle tastiere), Ben Croze (alle chitarre), Marco Di Palo (al basso) e Salvatore Minale (alla batteria).
Per questa creazione il regista ha coinvolto un gruppo di artisti di peso del panorama italiano, e non solo. Oltre la collaudata “intesa” con il cantante e attore Mauro Gioia e la direzione del cast di attori in forza allo Stabile, Madame Pink si avvale del prezioso contributo di Agostino Iacurci – il 31enne pittore, scultore e scenografo foggiano tra i più considerati protagonisti della street art mondiale – che firma le scene dello spettacolo e l’immagine di locandina; di Marco De Vincenzo, il 38enne stilista di Messina, nuovo astro della moda italiana osannato dalla stampa americana e inglese, indossato da Beyoncé, autore dei costumi di scena – entrambi alla loro prima “incursione” nel mondo del teatro.
Le musiche dello spettacolo – composte da ben 14 canzoni inedite ispirate agli anni ’70 e ’80 americani – sono state composte dallo statunitense Mark Plati (collaboratore storico di David Bowie e di Prince, The Cure, Natalie Imbruglia) insieme a Mauro Gioia, su liriche dello stesso Arias e di Mauro Gioia. La maschera di scena è firmata da Erhard Stiefel, lo scultore e scenografo franco-svizzero, storico collaboratore di Ariane Mnouchkine e Théâtre du Soleil, di Antoine Vitez e dello stesso Arias, per il quale aveva realizzato le maschere di scena degli spettacoli Peines de coeur d'une chatte française nel 1999 e La Belle et les Bêtes nel 2005. Il disegno luci è di Cesare Accetta, tra i più autorevoli light design della scena partenopea contemporanea e maestro della fotografia a teatro, al cinema e nell’arte.

TEATRO ARGENTINA - Largo di Torre Argentina, 52 00186 Roma
Dal 14 al 19 marzo 2017
Orari spettacolo: prima ore 21, martedì e venerdì ore 21, mercoledì e sabato ore 19, giovedì e domenica ore 17, lunedì riposo
Durata spettacolo: 1 ora e 40 minuti senza intervallo

Info e prenotazioni: mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo. , telefono 06 684 00 03 11 / 14
Sito web: www.teatrodiroma.net


IDIOTA
di Jordi Casanovas
traduzione Francesca Clari in collaborazione con Francesco Fava
regia Roberto Rustioni
con Roberto Rustioni e Giulia Trippetta
aiuto regia Francesco Piotti
scene & costumi Francesco Esposito
contributi video Pablo Solari
ideazione video Igor Renzetti
disegno luci Gianluca Cappelletti
Produzione Fattore K
in collaborazione con Fabulamundi. Playwriting Europe e Associazione OlindaProduzione

La crisi economica, globale e personale, la viva attualità dei nostri tempi vanno in scena al Teatro India dal 16 al 19 marzo con lo spettacolo IDIOTA di Jordi Casanovas, diretto e interpretato da Roberto Rustioni. Un testo profondo che indaga il nostro presente, le difficoltà e i nostri tentativi per cercare di restare a galla e sopravvivere.
Il protagonista prova a rispondere alle domande di una dottoressa, un test: un uomo e una donna si affrontano in una stanza, in un ufficio che appare come un ring. L’autore costruisce un preciso meccanismo ironico e leggero a tinte noir, in cui niente è ciò che appare e dove la verità emerge probabilmente solo alla fine. «Con Idiota e con il progetto Jordi Casanovas proseguo il mio percorso di esplorazione sulla scrittura contemporanea, soprattutto sulle nuove storie, indispensabili in funzione di un rinnovamento teatrale – racconta Roberto Rustioni, regista e interprete dello spettacolo – Casanovas è uno dei nomi di punta della nuova drammaturgia iberica, nello specifico catalana: a Barcellona, grazie alla sala Beckett ed ad altre strutture, è emersa in questi ultimi anni una nuova onda di scrittori per il teatro molto interessante, originale, piena d’energia. Credo che in Spagna così come in Italia il pubblico sia incuriosito naturalmente dal nuovo. Semplicemente come accade nel cinema o nelle ultime sofisticate serie tv, il pubblico desidera seguire storie nuove, vuole essere catturato da intrecci inediti, e spera di innamorarsi di personaggi sorprendenti mai conosciuti prima. Le atmosfere e la scrittura molto cinematografiche di Casanovas, la sua poetica tra la commedia ed il noir, tra Woody Allen e Roman Polansky, possiedono una qualità che cattura immediatamente lo spettatore. Sento che Casanovas è un autore coinvolgente di grande impatto con il pubblico, ma anche intelligente e di qualità...non è poco».
Una pièce dal titolo dostoevskiano, energica, ironica, pungente, contaminata dalle atmosfere cinematografiche della dark comedy. Un percorso psicologico comportamentale, in cui il pubblico viene chiamato in causa e sollecitato dalle insistenti domande. In scena a dare corpo e voce a questo moderno dramma distopico lo stesso Roberto Rustioni, nei panni del problematico protagonista, e Giulia Trippetta in quelli di una neuro scienziata tedesca. Tanti interrogativi per sorridere e riflettere sulla nostra precaria società, sempre in bilico tra emotività, intuizioni, vittoria e sconfitta.
ROBERTO RUSTIONI, dopo un lungo cammino attorale con diversi registi in cui spicca la collaborazione costante e continua con Giorgio Barberio Corsetti, inizia dieci anni fa un proprio percorso autorale e di regia. Tra i diversi riconoscimenti si segnala il premio Ubu 2011 miglior novità straniera per Lucido e tra i suoi spettacoli spicca Tre atti unici da Anton Cechov. Villa dolorosa di R. Kricheldorf e Donne che sognarono cavalli di D. Veronese, i suoi ultimi lavori.

TEATRO INDIA - Lungotevere Vittorio Gassman (già Lungotevere dei Papareschi), Roma
dal 16 al 19 marzo 2017
tutte le sere ore 21, domenica ore 18

Info e prenotazioni: mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo. , telefono 06.684.000.311/314
Sito web: www.teatrodiroma.net

 

FALLISCI FACILE
scritto e diretto da Alessia Giovanna Matrisciano
Con Chiara de Concilio, Giacomo de Rose e Valentina Fornaro

“Un uomo e una donna. E un’altra donna. Non si toccano, non si ascoltano, non si piacciono. C’è una ragazza nico-tinomane che vorrebbe trasformarsi in una dea del fitness; c’è un ragazzo cicciottello con una dipendenza dagli zuccheri trasformati e dal potere sulle donne; c’è una mina vagante che non sa se vuole più esser mamma o mandare a quel paese la propria, di mamma. Potete immaginare una forma d’amore tra questi soggetti? Sono perennemente estraniati, con il naso dentro le riviste, con le mani nel pacco dei biscotti, con l’immagine di loro stessi nello specchio”
Vi riconoscete? Non preoccupatevi. Per loro e per voi abbiamo creato Fallisci Facile. Fallisci Facile è il nostro programma, semplice, veloce, in un atto unico, dal risultato garantito, per imparare a liberarsi dalle proprie dipendenze e avere un’interessante vita relazionale. Il tabacco e il cibo spazzatura non sono solo abitudini, non sono solo droghe. Fanno parte dell’essere-nel-mondo di chi ne dipende. Cibo=vita, tabacco=vita, equazioni che resistono alle più martellanti campagne per la salute. Sappiamo che gesto malvagio è togliere le sigarette a un fumatore, il quale probabilmente piagnucolerà, protesterà, andrà in crisi di nervi. Sappiamo che trenta minuti dopo l’ultimo frollino alla panna lo stomaco del divoratore seriale inizia a languire, la lingua a salivare, e gli occhi e il naso a protestare contro l’apparizione indesiderata delle verdure crude. Pensiamo che essere-nel-mondo come si dovrebbe è un lavoraccio dall’esito fallimentare, una di quelle cose che non leggono sulle riviste, che non si imparano dalla mamma e di cui non ci si sbarazza facendo figli. La ragazza nicotinomane non riesce essere sana; il ragazzo cicciottello non riesce a essere virile; la donna con il pancione non riesce a essere mamma.
“Nei loro occhi non c’è lo spazio per incontrare quelli degli altri: ci sono solo oggetti inanimati, simboli in cui proiettarsi, sfogarsi, trincerarsi e con cui muovere guerra alle persone vive”.

TEATRO TRASTEVERE - via Jacopa de Settesoli 3, 00153 Roma
dal 14 al 16 marzo 2017
martedì-sabato h 21.00, domenica h 17.30

Info e prenotazioni: telefono 06-5814004, mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo.
Sito web: www.teatrotrastevere.it


VOGLIO VEDERE UNA BALENA
liberamente ispirato a "Moby Dick" di H Melville e Se vuoi vedere una balena di Stead Fogliano
Pensato ed interpretato da Giovanni Avolio
Disegno luci e gestione audio Mauro Buoninfante
Con Giovanni Avolio

A volte i desideri sono come balene bianche: sono nel profondo, gli altri non credono che esistano, spesso non li riesci a trovare...ma quando li raggiungi...
Uno spettacolo durante il quale puoi sorridere, commuoverti, crederci e sorprenderti. Insomma, uno spettacolo sulla vita
“Ismaele è un uomo comune che vive una vita comune semplice. Amante di scatole dentro cui raccoglie oggetti comuni e cianfrusaglie. Attraverso di questi ci racconterà una storia speciale. Costretto in un monotono lavoro di uomo delle pulizie l'unica cosa che lo tiene legato a questa vita è un amore e il suo fedele gatto Jimmy. Ma quando perde ogni cosa avviene una cosa straordinaria: Ismaele si trova in mano un biglietto per un viaggio. Un viaggio alla ricerca della sua balena bianca.
Lasciare ogni cosa, la propria spenta quotidianeità per compiere un viaggio verso l'ignoto? Ma se questo ignoto fosse il tuo desiderio profondo che non ha mai potuto ascoltare?
Ciascuno ha una propria balena bianca: una famiglia, il lavoro dei propri sogni, una casa dove essere a casa, la felicità. VOGLIO VEDERE UNA BALENA è la volontà di rimboccarsi le maniche e guardare in alto.”
Lo spettacolo è un esperimento performativo attoriale e sonoro.
E' uno spettacolo privo di testo il cui registro potrebbe ricordare un poetico clown. Parole non ci sono ma suono sì! La sperimentazione nasce infatti dal desiderio di applicare la tecnologia del looper al teatro creando dal vivo tessuti sonori che accompagnino la scena attraverso voce e suoni di oggetti quotidiani.
“Il TEATRO PEREGRINO nasce da un’idea di Giovanni Avolio come progetto di teatro su misura umana.
TEATRO: quello che facciamo
PEREGRINO: la semplicità, il racconto, l’itinerante, lo scambio.
Gli spettacoli peregrini sono di contastorie, teatro di figura, narrazione, all’impronta…e da adesso pure senza parole!
Giovanni Avolio, regista, autore, attore e contastorie inizia con il teatro classico per fuggire presto nell'Improvvisazione. Senza sapere come si ritrova a fare teatro di ricerca e piacendogli molto ci sguazza dentro per diversi anni.
Dopo aver incontrato il teatro di strada la sua vita professionale cambia, grazie all'incontro con l'ironia. Grazie a questa grande maestra incontra la narrazione che diventa il suo proprio campo di ricerca. Nel frattempo continua la formazione in maniera perenne e testarda. Questo nuovo lavoro inaugura una nuova strada con il fascino del mistero: chissà dove si andrà!”

TEATRO TRASTEVERE - via Jacopa de Settesoli 3, 00153 Roma
Dal 17 al 19 marzo 2017
martedì-sabato h 21.00, domenica h 17.30

Info e prenotazioni: telefono 06/5814004, mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo.
Sito web: www.teatrotrastevere.it


Valeria Perdonò in
AMOROSI ASSASSINI
Facciamo finta di niente, dai…
uno spettacolo di Valeria Perdonò
musiche al pianoforte Marco Sforza
Art Director FEDERICA RESTANI Produzione ARS CREAZIONE E SPETTACOLO

“Amorosi assassini” è il titolo di un saggio edito da Laterza nel 2006: 13 giornaliste e scrittrici raccontano casi di violenza su donne avvenuti in quell’anno.
Da quando mi è capitato per caso questo libro tra le mani, non ho più smesso di leggere, scrivere, recitare, parlare della questione “femmina“. Cercare di non fare finta di niente insomma.
Purtroppo il tema della violenza sulle donne diventa, ogni giorno di più, protagonista delle nostre vite e delle più crudeli vicende di cronaca. Ma non perché prima non ci fossero così tanti episodi come negli ultimi anni, solo perché finalmente se ne parla.
Qualche anno fa il Telefono Rosa di Mantova mi chiese di occuparmi della questione, parlarne a teatro, dare vita al problema, raccontare episodi, commentare e metterci del mio, ma io non sapevo da dove cominciare. Erano e sono troppi i casi!
Partiamo da una statistica però, esiste un comune denominatore: mariti, compagni o ex amanti che uccidono, e famiglie che spesso sotterrano e nascondono.
Cominciai a leggere resoconti degli omicidi, guardare video-interviste, analizzare i dati, e poi mi capitò tra le mani quel libro.
In "Amorosi assassini" - Ed Laterza mi ha colpito una storia in particolare, quella di Francesca Baleani, perché era l’unica che aveva un lieto fine, se così si può dire: Francesca è stata quasi uccisa dal suo ex marito ma si è salvata per miracolo ed è riuscita a ricominciare una nuova vita. Per questo ho deciso di scrivere un monologo proprio su di lei, partendo dalla sua storia, dalle sue stesse parole così piene di disperazione e, nonostante tutto, di meraviglioso attaccamento alla vita, di rinascita.
L'episodio della Baleani, però, mi ha colpito più di altri anche perché si è consumato in un ceto sociale benestante e culturalmente molto elevato, e così viene meno anche il luogo comune per il quale siamo portati a credere che la maggior parte delle violenze sulle donne avvenga in sfere economico-sociali basse o ai margini.
Una donna che parla di donne con un uomo e insieme al pubblico. Una donna che pensa alle donne e a se stessa. Fogli e un pianoforte, documenti e musica, cronaca e poesia, l’attualità col sorriso dell’ironia. La storia di Francesca Baleani fa da filo conduttore insieme a citazioni, canzoni e riflessioni. Da Esiodo alla Merini, da De Andrè a Gaber passando per il Trio Lescano. Per dare una voce in più. Per non fare finta di niente, o almeno provarci.
Per aprire una piccola riflessione sulla violenza sulle donne, sull'amore o sulle donne e basta. Con tutta la violenza che comporta, e con tutta l’ironia e la leggerezza che mi contraddistinguono come donna e come attrice.

TEATRO BRANCACCINO - via Mecenate 2, Roma
Dal 16 al 19 marzo 2017
Dal giovedì al sabato ore 20, domenica ore 18
Biglietto: 15,50 € - Card open 5 ingressi 55 euro

Info e prenotazioni: telefono 06 80687231, mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo.
Sito web: www.teatrobrancaccio.it


Compagnia Coturno 15 presenta
ALKESTIS 2.1
scritto e diretto da Johannes Bramante
Con Lucia Bianchi, Alessandro Lussiana, Francesca Accardi
Luci Mauro Buoninfante

Debutterà in prima nazionale a Carrozzerie n.o.t. – dal 16 al 18 marzo 2017 - ALKESTIS 2.1 scritto e diretto da Johannes Bramante. Protagonisti: Lucia Bianchi, Alessandro Lussiana, Francesca Accardi. Uno spettacolo che si ispira ad un mito che nella sua eternità resta vivo in noi. Un testo ambientato ai giorni nostri, in cui la dimensione tragica e mitologica è interiore ai protagonisti, i quali dimostrano come l’universalità del mito sia insita nell’uomo.

Un fotografo e una giovane modella. Lui tormentato da una vita senza grandi successi, lei al limite estremo dell'ultima speranza. L'incontro non è dei più felici, la rassegnazione del primo e la poca esperienza della seconda non sembrano inizialmente favorire una feconda collaborazione. Soltanto un gesto estremo e umiliante da parte di lei convincerà, alla fine del loro primo incontro, il fotografo a tentare qualche scatto. Il successo è immediato. Tuttavia come si presentano i primi traguardi, che i due taglieranno con facilità, così si presenta nella mente del fotografo una vecchia idea, un demone nascosto da anni di insuccessi: è la fotografia perfetta, quello scatto che trascenderà le copertine dei giornali e regalerà, a chi l'ha fatto, la gloria del grande artista. Il fantasma dell' ipotetica fotografia è seducente. Molto. Troppo. Con il passare degli shooting fotografici, il corpo e la mente della giovane ambiziosa diventano per l'artista ossessivo sempre più una materia da modificare; carne e forma, nulla di più, nulla di meno. E lei accetta. È la fame di fama, l'immediato e volubile potere del denaro a facilitare alla ragazza un'umiliazione della propria persona a favore della gloria della fotografia, di se stessa. Gli scatti diventano torture. I corpi meri mezzi per uno scopo virtuale. Le parole si fanno più rade. Parla il flsh della macchina fotografica. Agisce il bisturi. Si consumano in una simbiosi malvoluta i due cercatori di fama. La mortificazione dei loro corpi soltanto alla fine si risolverà in una visione più profonda della loro condizione eternamente umana, eternamente anelante, ma sarà troppo tardi e il prezzo sarà già pagato. Non è con occhi umani che si può contemplare il proprio trasumanare.

Note di regia
Lo conosciamo, il mito. Quello della pia donna d'un remotissimo non-tempo che, per strappare il pusillanime coniuge da morte certa, si sacrifica al posto del marito. Conosciamo la tragedia. Conosciamo la commedia. Conosciamo il dibattito sulla tragedia che-non-è-una-tragedia. Insomma, conosciamo Alcesti. L'abbiamo incontrata tra i banchi d'un liceo, nel polverone d'un teatro all'aperto, nelle riflessioni di qualche filosofo nichilista. Ne conosciamo anche un altro, di mito. Siamo stati tutti sedotti dai pochi versi che Ovidio dedica alla bramosia d'amore – o d'amor di se, chi lo sa! - del giovane artista Pigmalione. L'abbiamo anche invidiato un pochino, lui che con tecnica e martello si costruisce la donna ideale e che resterà vinto dal fascino della sua stessa creazione. Questo Dorian Grey altruista della Grecia antica! Sì, in una sempre più sbiadita memoria collettiva d'un occidente colto e appassionato queste figure esistono. Vagano. Afferrano. Ogni tanto si smarriscono. Ma sempre tornano. E allora – nella tragica comicità del quotidiano – si compone la mirabile visione: personaggi e situazioni senza apparente incisività risvegliano il Mito dal suo torpore secolare. Ci troviamo nello studio di un fotografo, condannato dalla sua ambizione a una ricerca del bello e del vero solo a servizio del proprio piacere. Vediamo allora proporsi come modella una delle – tante, tantissime, infinite – fanciulle alla ricerca del sacrificio che le immolerà all'eterna bellezza sulla copertina d'un giornale. Il patto è già fatto prima che i due pallidi riflessi dei rispettivi miti suggellino qualsiasi carta. Il Fotografo-Pigmalione opererà sulla Modella-Alcesti con minuzia chirurgica per ottenere il suo premio: la fotografi perfetta, il dono degli dei che lo renderà mito immortale. D'altro canto la Modella-Alcesti lascerà frugare il proprio corpo dal Fotografo-Pigmalione per divenire la donna velata che sfida – e vince! - la morte di un corpo corruttibile per restare, velata dal proprio giovane e seducente ritratto, impressa nella memoria degli altri, poveri mortali. I personaggi non cercano il mito, è il mito a trovare i personaggi. Nel corso di un anno, a cominciare dai primi brevi e intensi incontri fio a perdersi nel vortice d'una mendace gloria, il fotografo e la modella si sfidano a vicenda. Si studiano. Si torturano. Di carne fanno marmo. Di ambizione fanno religiosa visione. Tormentati entrambi da quella “Fotografi di Alcesti” che vive soltanto nella mente del fotografo e nella speranza della modella finiranno per giungere a una conclusione molto più tremenda di qualsiasi bramosia di fama. Tremenda perché inconciliabile con qualsiasi piano o strategia elaborata da mente umana. Incontreranno, senza volerlo, una visione eterna della bellezza, un senso reale e pacifico della loro piccola esistenza quotidiana; la incontreranno però dopo aver versato sangue a favore delle Divinità del Successo e del Danaro, dopo aver modificato e mortificato violentemente il proprio corpo e il proprio cuore. E allora, senza saperlo, saranno diventati miti. Così come tutti noi da sempre non siamo altro che il pallido riflesso di una storia già raccontata migliaia di anni fa.
Johannes Bramante

CARROZZERIE N.O.T - via Panfilo Castaldi 28/a (Ponte Testaccio)
16 | 17 | 18 marzo 2017
Orario spettacoli: ore 21,00
Biglietti: intero: 12 Euro - Tessera Obbligatoria 3 Euro
Consigliata Prenotazione Telefonica - Ingresso Riservato ai Soci

Info e prenotazioni: telefono 347 1891714, mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo.
Sito web: www.carrozzerienot.com


Castellum presenta
RIFIUTI
Una vita da differenziati
scritto e diretto da Stefano Fabrizi
con Stefano Fabrizi (Toto), G-Max (Luca), Riccardo Graziosi (Sasà) Yaser Mohamed (Nico), Elettra Zeppi (Sara)
scene Ferruccio Caridi
luci e fonica Fabio Bendia
musiche Roberto Quarta
aiuto regia Leonardo Buttaroni

Debutta il 14 marzo al Teatro de' Servi "Rifiuti. Una vita da differenziati", scritto e diretto da Stefano Fabrizi. La commedia racconta la storia di quattro ragazzi emarginati dalla società e affetti da molteplici psicosi, che vivono abusivamente in un seminterrato fatiscente nella periferia della metropoli. Non hanno i soldi per arredarlo come si deve, ma hanno una spiccata immaginazione psicanalitica che li porta a vedere negli oggetti e negli accadimenti della loro vita il simbolo di qualcosa che sta accadendo, o che devono fare. Per esempio sono soliti raccogliere oggetti che sono stati buttati nell'immondizia e portarli a casa per arredare il loro appartamento. Non si tratta di una vocazione da interior designers specializzati in recycling, ma di un disperato tentativo di cambiare la propria vita affidandosi al messaggio misterioso di quegli oggetti: una frusta abbandonata forse suggerisce di intraprendere una carriera da domatore? Uno sportello di automobile, invece, sta dicendo a qualcuno di fare l'autista?
Finora si è trattato di un gioco, ma quando uno di loro torna a casa con una confezione di pasticceria che dovrebbe contenere una torta, il gioco si fa molto più duro. La confezione infatti nasconde quattro pistole e quattro passamontagna, evidentemente abbandonati da qualcuno che è stato inseguito dalla polizia. Sulle prime i quattro registrano la delusione: si erano preparati per assaltare un millefoglie o un profiteroles, ma sono invece assaltati da questi oggetti sinistri che, inevitabilmente, suggeriscono loro una malsana idea. E se li usassero per rapinare una banca? O, meglio ancora, un grande teatro? Il Sistina sarebbe perfetto, e in effetti la rapina va a buon fine, ma un inconveniente pregiudicherà tutto.

TEATRO DE’ SERVI - Via del Mortaro 22, Roma
Dal 14 marzo al 2 aprile 2017
Biglietti: platea 22€ - galleria 18€
orario spettacoli: da martedi a venerdi ore 21 – sabato ore 17.30 e 21 – domenica ore 17.30 – lunedi riposo

Info e prenotazioni: telefono 06-6795130
Sito web: www.teatroservi.it


AVVISO AI SOCI
La Compagnia Teatrale Artigianale I cani sciolti presenta
THE CROWN
di Luca Pastore
con Miriam Messina, Dimitri D'Urbano, Luca Laviano, Ludovica Avetrani, Matteo Antonucci, Claudio Filardi, Martina Caronna, Jawad Moraqib
regia di Luca Pastore
musiche originali Mattia Yuri Messina

...Vedi? Anche le mie mani sanguinano,
anche i miei occhi piangono, siamo uguali...
La Corona accoglie e spiega le sue spire per proteggere
chi potrà salvaguardarla, chi non interromperà la Corona
riuscirà a capirne il senso.
Seguimi troverai un mondo nuovo che ci
appartiene, forse, per sempre

La performance teatrale nasce dall'idea che il tempo è l'elemento che contraddistingue l'umanità e che tutte le storie dell'uomo sono racchiuse nel tempo che lui stesso ha creato.
Uno Spazio vuoto delimitato da “cavi”, un reticolato che racchiuda le esperienze umane che coinvolgono l’intera razza e non solo l’individuo singolo.
Cos'è il passato? Cos'è il futuro? Si può vivere fuori dal tempo? Siamo noi il tempo?
Chi indosserà la Corona?
Otto corpi per raccontare l'umanità. Otto corpi chiusi in un reticolo di Emozioni, incapaci di fare a meno degli altri, sia per decisione che per destino. La Sopravvivenza, l'Amore e infine la Speranza sono le forze che vibrano e spingono dal fondo per poter controllare il Tempo. La specie decade, si evolve, scopre la supremazia tramite la violenza e interrogando l'intelletto sceglie la sua strada.
Abbiamo cercato di afferrare la Corona. Riusciremo a tenerla?

TEATRO AGORÀ 80 (Sala A) - via della Penitenza 33, Roma (Trastevere)
Dal 14 al 19 marzo 2017
Orari spettacoli: da martedì a sabato ore 21.00-Domenica ore 18.00
Tessera associativa: 2 euro
Biglietti: Intero 10 euro| Ridotto 8 euro

Info e prenotazioni: telefono 06 6874167, mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo.
Sito web: www.teatroagora80.org


La Compagnia Habitas presenta
QUEL NOIOSO GIORNO D'ESTATE
testo e regia di Niccolò Matcovich
con Federico Antonello, Francesco Aricò, Riccardo Pieretti

Duncan, Oklahoma.
20 agosto 2013
Un parco pubblico.
Tre ragazzi minorenni uccidono un 22enne che sta facendo jogging sotto casa della fidanzata. Una volta arrestati, le motivazioni messe a verbale (e finite su tutti i quotidiani) sono “il gioco” e “il gusto del divertimento”.
Da questo fatto di cronaca parte e si sviluppa il testo, un atto unico i cui protagonisti sono proprio i tre ragazzi che hanno compiuto l’omicidio.
L’azione è spostata in Italia, nell’ipotetica periferia di un’ipotetica grande città.
Il progetto intende indagare, attraverso lo strumento della fiction, le motivazioni che possano aver spinto i tre ragazzi a compiere il gesto. E intende farlo dall’interno, sondando fantasticamente i pensieri, le relazioni, i corpi dei protagonisti, che non possono fare a meno di una panchina in un parco, sempre la stessa, che è casa, ritrovo ma anche prigione.
Una prigione dalla quale i tre non vogliono uscire, o forse non possono.
Una prigione che è luogo tanto di giochi camerateschi e parole volgari quanto di risveglio del passato: un passato scomodo di cui non riescono a fare a meno; un passato che porterà Francesco, detto Franklin, il più piccolo, ad aprire il fuoco, forse per dimostrare qualcosa agli altri due o forse, e più probabilmente, per un disperato, incontrollabile tentativo di rompere le sbarre di quella prigione, di andare oltre, di scardinare la panchina, per poi ritrovarsi dietro altre sbarre, più scomode, più concrete, con il rischio dell’ergastolo.
Gli spettatori sono chiamati a testimoniare di uno dei tanti episodi di cronaca cui siamo assuefatti. Uno dei tanti episodi che scivolano via con troppa facilità, pronti ad essere rimpiazziati, a finire appena il giorno dopo in fondo alla colonna della testata on-line.
Ma qui il tempo si ferma, si fa presente e diventa memoria, come a rimarcare la tragicità del quotidiano, o la quotidianità della tragedia, come a farsi exemplum e, attraverso la macchina del teatro, portare la riflessione sul piatto di una tavola grande e forse male apparecchiata che chiamiamo società.

Note di regia
Come plasmare la materia reale di un fatto di cronaca nera per renderla teatrale con il sussidio della fiction? Come entrare in una “storia tutta americana” e cercare di renderla non solo più vicina bensì universale? Ancora, come restituire al meglio quella che definiamo la quotidianità della tragedia, o tragicità del quotidiano?
Da queste domande parte il lavoro pratico di Quel noioso giorno d’estate. Abbiamo cercato di dare una risposta con una chiave che, non assecondando le linee proposte dal testo, bucasse l’apparente realismo dello spettacolo spingendo il pedale su un particolare lavoro tecnico, il cui fulcro si basa sullo spostamento degli accenti tonici delle frasi; senza assecondare quindi “l’intenzione naturale” che potrebbe risultare palese ad una prima lettura, abbiamo marcato a tavolino, in ogni frase del testo, le parole fondamentali sulle quali, appunto, porre l’accento, così da dare maggiore peso e rotondità al concetto espresso e agito. A questo si affianca, consequenzialmente, un rigoroso lavoro sul ritmo, quasi una partitura musicale, peculiarità di tutto il lavoro di Compagnia Habitas. Non ultime, le geometrie, altra peculiarità della Compagnia: il lavoro si sviluppa quindi su rette e diagonali che gravitano intorno alla panchina, quarto protagonista dello spettacolo insieme ai tre attori. Ultimo motore fondamentale dell’azione è lo sguardo: uno sguardo vigile e sempre coscientemente direzionato.
In definitiva, una griglia molto precisa all’interno della quale gli attori agiscono con una libertà che è conseguenza di questo schema. Poste queste basi, quanto viene dopo si struttura principalmente sulla relazione dei tre ragazzi e sul doppio piano di rapporto interno (tutto ciò che avviene sulla e intorno alla panchina) e relazione con l’esterno: una sorta di orizzonte buio e misterioso in cui corre ignara la vittima dei tre: un giovane jogger che per mano loro ha perso la vita.

TEATRO MARCONI - Viale Guglielmo Marconi 698e - Roma
13 - 14 marzo 2017 ore 21:00

Info e prenotazioni: mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo.
Sito web: www.teatromarconi.it


BERSAGLIO SU MOLLY BLOOM
da James Joyce
regia Marco Isidori
con Maria Luisa Abate, Paolo Oricco, Stefano Re, Valentina Battistone, Virginia Mossi, Daniel Nevoso,Francesca Rolli, Margaux Cerutti, Marco Isidori
tecniche Sabina Abate
scena e costumi Daniela Dal Cin
produzione Marcido Marcidorjs e Famosa Mimosa
con il sostegno del Sistema Teatro Torino

Grande Conchiglia di Daniela Dal Cin

Dopo quattordici anni dal suo debutto (2002), i Marcido ripresentano la fortunatissima messa in scena di “Bersaglio su Molly Bloom”, dall’ultimo capitolo dell’Ulisse di Joyce: quella Molly che con il suo fluviale e labirintico monologo chiude questo capolavoro indiscusso di tutto il Novecento.
Con le parole di Joyce, Isidori ha creato una vera e propria partitura, in cui il vivacissimo girotondo dei pensieri di Molly diviene il pretesto per uno strepitoso concerto teatrale di otto voci d’attore, in tutte le possibili combinazioni, dal terzetto al duetto, al tutti, fino all’intensissimo assolo conclusivo affidato a Maria Luisa Abate.
Lo spettacolo (premio Ubu 2003 per la scenografia) sarà nuovamente allestito sul palcoscenico del Vascello, il quale accoglierà l’istallazione deputata ad ospitare la torrenziale performance: quella Grande Conchiglia della Dal Cin, architettura sbalorditiva, di grande impatto visivo, composta da una serie di archi luminosi che inglobano gli attori, imbrigliati/impigliati ciascuno nella sua propria nicchia, e lì bloccati come santini in una teca votiva.
Questa poderosa macchina da concerto restituisce al pubblico l’immagine bidimensionale di una grande pala d’altare che però, corredata com’è da una fitta serie di luci che ne sottolineano il disegno, sconfina nel baraccone da fiera, e non può che essere vista come una sorta di visualizzazione del cervello di Molly Bloom, un cervello vivo e pulsante in cui personaggi, ricordi, emozioni trovano incarnazione nelle voci degli interpreti incastonati nella sorprendente installazione.
Le suggestioni della scrittura, i suoi più svariati umori e le più riposte dinamiche psicologiche dispiegate dall’autore nel corso della narrazione, saranno rese teatralmente fauste da un approccio barbaro alle difficoltà di un esperimento spettacolare, che dovrà misurarsi continuamente con i funambolismi della trama poetico/linguistica espressa da Joyce.
Le voci recitanti guidate dallo stesso regista, in scena appunto nelle vesti di direttore d’orchestra, sono: Paolo Oricco, Valentina Battistone, Stefano Re, Virginia Mossi, Daniel Nevoso, Francesca Rolli e Margaux Cerutti, insieme alla straordinaria Maria Luisa Abate, interprete principale, capo e capitano delle Molly, la quale terrà le fila della poliedricità narrante della nostra eroina.

TEATRO VASCELLO - via Giacinto Carini 78, 00152 Roma
dal 14 al 19 marzo 2017
dal martedì al sabato h 21 - domenica h 18

Info e prenotazioni: mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo. , telefono 06.5881021/06.5898031
Sito web: www.teatrovascello.it


AMORI PROIBITI
Spettacolo ideato e diretto da Michele Suozzo
Testi di Ovidio, Poe, D'Annunzio, Pasolini, Morante
con Tiziana Bagatella, Antonio Cesari, Camilla Dell'Agnola, Graziano Sirci
e con Guido Quaglione
Scene Dario Dato
Costumi Annalisa Di Piero
Musiche originali di Fabio Lorenzi
eseguite da Paolo Fontana (viola da gamba e chitarra)

Una incursione nei giardini più segreti di Eros, tra piante venefiche e frutti proibiti. Il tormento e l'angoscia delle passioni più incontrollabili e inconfessabili, recluse da ogni ragionevole e civile consorzio nelle più oscure segrete del subconscio, baciate e illuminate qui dal soffio trasfigurante della poesia.
All'uscita del tormentoso labirinto verremo confortati da un buon caffè e da un delizioso scherzo letterario di Elsa Morante, che ci inviterà a giocare con tre diversi aspetti della più comune delle perversioni (tra l'altro la più familiare a noi teatranti): il narcisismo.

TEATRO DEI CONCIATORI - Via dei Conciatori 5, 00154 Roma
14 | 19 marzo 2017
Biglietti: € 18,00 + tessera obbligatoria di 2 €
Orario spettacoli: dal martedì al sabato ore 21,00 domenica ore 18,00

Info e prenotazioni: mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo. , telefono 06.45448982 - 06.45470031
Sito web: http://www.teatrodeiconciatori.it


FIORI DI ME
testo e musiche di Luna T Sveva Testori
con Simone Fraschetti
regia Klaus Kurtz
foto Pamlanephoto
maschera di Fabrizio Pangallozzi

In scena al Teatro Studio Uno dal 16 al 19 Marzo “Fiori di me” ultimo lavoro della Compagnia Pescatori di Poesia, monologo esistenziale sulla vita di un uomo che mette in discussione se stesso e il suo lavoro, scritto da Luna T Sveva Testori, che firma anche le musiche originali, con protagonista Simone Fraschetti diretto da Klaus Kurtz.
Vito Macchi è un brillante cardiochirurgo ma da qualche tempo vuole cambiare lavoro. Di fronte alla possibilità di essere nominato primario, comprende di non poter indugiare oltre. E’ giunto per lui il momento di realizzare il suo desiderio di fare il fioraio. Ma oggi cambiare mestiere è da pazzi. Decide quindi di chiedere consiglio alle persone a lui più care.
Entrano in scena, evocati dalle parole di Vito, sei personaggi: sua figlia, uno zio professore universitario, un'amica prostituta, un vicino di casa, una vecchia gatta, e suo padre fotoreporter. Vito lascia parlare i personaggi attraverso la sua voce dando vita ad un ironico dibattito corale. In questo piccolo tribunale privato, alcuni vogliono che Vito resti cardiochirurgo, altri che dia ascolto al suo desiderio di coltivare fiori. Tutti sono testimoni e giudici.
Cardiochirurgo o fioraio? È davvero questo il dubbio del protagonista?
I fiori intanto crescono nella testa di Vito, si ramificano nei meandri della memoria e sbocciano in ossessione. Divengono presenza dolorosa, mal di testa implacabile, mentre le voci degli altri evocano un oscuro ricordo del passato. Fiori di me è il racconto di un uomo che vuole cambiare mestiere, e che forse è pazzo davvero. Una piccola storia di un individuo che cerca una risposta nel labirinto delle domande.

MOSTRA FOTOGRAFICA “SCATTI PRIVATI” di ALDO MACCHI
Lo spettacolo Fiori di me sarà accompagnato dalla mostra fotografica Scatti Privati in cui saranno esposte nel foyer del teatro otto opere inedite del fotoreporter di guerra Aldo Macchi.
La mostra, curata dal figlio Vito, propone fotografie private, autoscatti e immagini di vita familiare dal 1975 al 1995, anno in cui di Aldo si persero le tracce. Otto opere ritrovate in archivi e redazioni di mezza Europa che ci permettono di ipotizzare gli spostamenti del fotoreporter negli ultimi vent'anni della sua vita.

TEATRO STUDIO UNO (Sala Specchi) - Via Carlo della Rocca, 6 (Torpignattara)
dal 16 al 19 marzo 2017
da giovedì a domenica ore 21.00

Info e prenotazioni: telefono 3494356219 - 3298027943, mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo.
Sito web: www.teatrostudiouno.com


IO RIFIUTO
scritto e diretto da Francesca Romana Miceli Picardi
Interpretato da Marina Cappellini, Manola Rotunno
Aiuto Regia e Tecnico audio luci Lara Panizzi
Trucco ed effetti Marzia Croce

Carolina e Carmela non si conoscono. Ma si ritroveranno a condividere lo stesso spazio, lo stesso "risveglio". Due donne agli opposti: caratterialmente e fisicamente. Due donne del Sud, con lo stesso destino: rifiutate e finite nei rifiuti.
Il Sud è una terra dove le montagne sembrano giganti sonnecchianti e il mare è un testimone muto.
Tutti ne parlano, pochi lo conoscono veramente. "Il silenzio è d'oro" non è solo un proverbio.
Parlare, reagire, rifiutarsi sono tre verbi che fanno rima con pericolo e paura. Ancora oggi.
La storia di Carolina e Carmela è una ferita che ogni meridionale si porta dentro. Nonostante le lotte e i grandi personaggi che si sono ribellati alla mafia e a quella cosa sporca, che si chiama omertà. Due storie "piccole" e dolorose. Due donne forti e schiacciate, unite in un viaggio onirico, tenero, tragicomico, straziante e irriverente come sa esserlo solo la morte. Specialmente se a parlare sono i morti "nascosti bene". Quelli che mai nessuno troverà, quei morti che non avranno mai voce.
Racconto il mio Sud, quello che non vorrei esistesse.
Perché il Sud è una Donna caparbia e bellissima, senza trucco e con i capelli ricci. Cammina scalza e ha troppe ferite sotto i piedi. Racconto due anime che hanno scelto di combattere.

TEATRO TORDINONA (Sala Pirandello) - via degli Acquasparta 16, Roma
Dal 14 al 19 marzo 2017
ore 21.00 - domenica ore 18.00

Info e prenotazioni: telefono 067004932, mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo.
Sito web: www.tordinonateatro.it


NOI ROMANE - NOANTRE
e in omaggio alle donne, mamme, lavoratrici, parte a Roma l’iniziativa “Nursery Sharing” a teatro
regia Toni Fornari
con Simona Patitucci, Valentina Martino Ghiglia, Alberta Cipriani, Ilaria Nestovito, Noemi Sferlazza
Voce narrante: Maurizio Mattioli

Un omaggio a Roma, attraverso il sorridente tributo alle piccole e grandi protagoniste della storia della città Eterna dalla sua fondazione ai giorni nostri. Al Teatro Belli, dal 14 marzo al 9 aprile, andrà in scena lo spettacolo Noi Romane - Noantre. Un viaggio appassionante tra miti e leggende, durante il quale lo spettatore potrà fare la conoscenza di: Madama Lucrezia la statua parlante, Agrippina la madre di Nerone, Acca Larentia ovvero la leggendaria Lupa, la Papessa Giovanna, Donna Olimpia Pamphili “la Pimpaccia”, Enrichetta Caracciolo la monaca garibaldina, Lina Cavalieri la regina della Bella Epoque e tante altre affascinanti figure femminili. Un’idea di Simona Patitucci che, grazie al testo e alle liriche di Toni Fornari che ne cura anche la regia, si è trasformato in un racconto teatrale impreziosito dalle musiche e dalle canzoni di Massimo Sigillò Massara. E per onorare ulteriormente le donne, mamme, lavoratrici e sognatrici di ogni epoca la giornalista Federica Rinaudo, in collaborazione con l’azienda Io Bimbo (tra i leader in campo di articoli per l’infanzia) e l’Armando Curcio Editore, promuove l’iniziativa “Nursery Sharing”. Un mini spazio essenziale formato famiglia a disposizione delle mamme che in questo modo non dovranno rinunciare alla loro serata a teatro. Un angolo condiviso dove sarà possibile trovare tutto il necessario per i propri figli, dal fasciatoio allo scalda biberon, da giochi ed accessori ad una serie di libri, tra favole e racconti, per rispolverare le sane tradizioni di un tempo e lasciare da parte lo smartphone. L’esperimento, per la prima volta a Roma, sarà preceduto da una serie di video in cui le mamme potranno dire la loro (a partire dal 13 marzo) sulla pagina Facebook “Noi - mamme - romane” e sul sito www.nurserysharing.it. Un motivo in più per non perdere lo spettacolo brillante, vivace e a tratti commovente, che restituisce a queste donne la possibilità di rettificare anche alcune “inesattezze” storiche. A dare volto e voce a queste romane: le attrici Simona Patitucci (nota al grande pubblico anche come voce di Ariel in “La Sirenetta” della Disney e già protagonista di spicco del teatro musicale italiano), Valentina Martino Ghiglia (reduce dal grande successo degli spettacoli “Tacchi misti” e “Mom’s”), affiancate dalle giovani Alberta Cipriani, Ilaria Nestovito, Noemi Sferlazza. Tra le suggestive atmosfere anche una ciliegina sulla torta: la voce narrante di Maurizio Mattioli, unica “presenza” maschile, che introdurrà le storie avvincenti di queste romane speciali. Da non perdere al Teatro Belli dal 14 marzo al 9 aprile.

TEATRO BELLI - Piazza Sant’Apollonia 11, Roma
Dal 14 marzo al 9 aprile 2017
Feriali ore 21.00 - Festivi ore 18.00

Info e prenotazioni: telefono 06 5894875, mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo.
Sito web: www.teatrobelli.it


DOIT Festival - Drammaturgie Oltre Il Teatro
Una nuova avventura per il DOIT Festival – Drammaturgie Oltre Il Teatro è pronta a coinvolgerci e appassionarci. Otto spettacoli in concorso, compagnie provenienti da tutta Italia, anteprime nazionali, eventi editoriali e musicali e dibattiti con la critica, il pubblico e gli artisti.
Il festival, ideato e curato da Angela Telesca e Cecilia Bernabei, come ampia proposta culturale, che supera i confini del genere teatrale, darà il via alla sua terza edizione martedì 14 marzo sul palco dell’Ar.MaTeatro di Daria Veronese e Massimo Sugoni.

ANTIGONE - METAMORFOSI DI UN MITO
Storie per una voce sola
martedì 14 e mercoledì 15 marzo ore 20:45
di Serena Gaudino
con Tiziana Irti
musiche Doriana Legge
regia Giancarlo Gentilucci
Residenza Teatro Nobelperlapace
Produzione Arti e Spettacolo – L’Aquila
Testo vincitore del premio internazionale di drammaturgia “L’Artigogolo” 2016

Antigone/metamorfosi di un mito trasporta in una sorta di mondo parallelo dove i drammi escono dai propri confini territoriali e diventano universali (Serena Gaudino).
Il lavoro teatrale è tratto dal libro “Antigone a Scampia” che la stessa Serena Gaudino ha scritto per documentare il lavoro condotto con un nutrito gruppo di donne del quartiere napoletano. Serena le ha incontrate per un anno, raccontando e leggendo loro la tragedia di Antigone, intrecciandola con il ciclo di Edipo e I Sette contro Tebe. Alla fine del percorso, sull’eco del mito, le donne, immedesimandosi in Antigone e sentendo quella storia vicina alle proprie, hanno iniziato a raccontarsi…
La riflessione che propone la messa in scena è anche quella di comprendere la propria condizione per potersi liberare da un destino che non deve essere ineluttabile (Giancarlo Gentilucci).

SIC TRANSIT GLORIA MUNDI
Giovedì 16 e venerdì 17 marzo ore 20:45
scritto e diretto da Alberto Rizzi
con Chiara Mascalzoni
Produzioni Ippogrifo - Verona

Anni di studi e confronti, letture e ricerche hanno portato alla stesura del copione di Sic Transit Gloria Mundi, la storia, inventata, della prima donna eletta Papa. Un monologo fanta-storiografico che non si concentra solo sull’esclusione delle donne dal sacerdozio, ma analizza le ragioni storiche, teologiche e religiose della sudditanza della donna all'uomo nella Chiesa e nel cattolicesimo laico. Tre sono i pilastri dello spettacolo: il ruolo della donna nel passato della Chiesa, la biografia inventata della prima donna Papa e, infine, una storia alternativa e possibile della Chiesa attraverso le donne. Critica surreale ed estrema al maschilismo cattolico e, quindi, al maschilismo del mondo laico.
Puro, irriverente e disarmante lo stile registico. Una prova attoriale importante per Chiara Mascalzoni chiamata, attraverso roboanti costruzioni sceniche, a dare corpo e voce ad un racconto pieno di invenzioni e di emozioni (Alberto Rizzi).

TEATRO DA LEGGERE | APERITIVO CON L’EDITORE
LE NEBULOSE
collana teatrale ChiPiùNeArt Edizioni
sabato 18 marzo ore 18.30

Una serata in compagnia degli autori che hanno pubblicato i loro testi nella collana teatrale Le Nebulose e nella miscellanea teatrale L’Artigogolo 2016 edite da ChiPiùNeArt. Letture, mise en éspace e musica per un teatro da leggere e da sfogliare nell’intento di stimolare la riconquista della dimensione letteraria della drammaturgia e avvicinare nuovi lettori ai testi teatrali.
Interverranno anche il direttore editoriale Adele Costanzo e la curatrice della collana Cecilia Bernabei.

EVENTO SPECIALE | DOIT FESTIVAL PER LA MUSICA
CONCERTO + APERITIVO
domenica 19 marzo ore 18:30
SOUL INDIGO
Sara Bernardi - Voce
Alessandro Bernabei - Tastiere
Antonio Marinelli - Sax

Il giovane trio Soul Indigo offre un repertorio di alta qualità musicale, originale negli arrangiamenti, frutto dell’incontro e della contaminazione di generi musicali come il neo soul e l'hip hop, il jazz tradizionale e moderno e la musica black dei giorni nostri.
Un pomeriggio domenicale in cui va in scena la musica accompagnata da un buon calice di vino.

AR.MA TEATRO - via Ruggero di Lauria 22, Roma (Metro A Cipro)
14 marzo | 9 aprile 2017
Biglietti: 10 euro intero; 8 euro ridotto; 5 euro studenti
Abbonamenti a partire da 28 euro

Info e prenotazioni: telefono 06 39744093, mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo.
Sito web: www.doitfestival.eu


IL MISANTROPO
di Molière
Regia di Marco Belocchi

con Marco Belocchi - Alceste; Eleonora Pariante – Céliméne; Giustino De Filippis- Filinte; Giuseppe Alagna – Oronte; Maurizio Castè – Acaste; Vittorio Ciardo – Clitandro; Valentina Maselli – Eliante; Teresa Marra - Lisette; Vittorio Aparo- La guardia / Du Bois

Alceste ha un carattere particolare, malinconico e ombroso, non tollera le ipocrisie degli uomini ed è convinto che dire sempre la verità in ogni occasione sia la miglior virtù possibile. Ne discute spesso con l’amico Filinte, che invece propone una visione del mondo più accondiscendente e volta alla pacifica convivenza civile. Alceste è anche innamorato di Céliméne, una ragazza cui piace essere sempre al centro dell’attenzione, viziata e corteggiata. Naturalmente ne è gelosissimo e mal sopporta di vederla attorniata da uno stuolo di spasimanti a cui lei dà ovviamente corda. Alceste stesso d’altronde è corteggiato e ammirato da Arsinoé e da Eliante, ma nonostante le profferte dell’una e la disponibilità dell’altra, rimane sempre Celiméne colei che ama. Quando però scopre alcuni comportamenti non proprio irreprensibili della donna, acconsente al perdono a patto che lei accetti di fuggire con lui dal mondo e rifugiarsi in un eremo lontano da tutto e da tutti. Céliméne non si sente pronta per una scelta così estrema e Alceste andrà via solo, mentre l’amico Filinte, gentiluomo di buonsenso, convolerà a nozze con la saggia Eliante.
Il Misantropo è unanimemente considerato uno dei grandi capolavori di Molière. Andato in scena per la prima volta nel 1666, aveva inizialmente come sottotitolo L’atrabiliare innamorato, appellativo che già definisce, almeno in parte, il carattere del protagonista Alceste. Ed in effetti tutta la commedia ruota intorno ad Alceste che, con la sua etica inflessibile, non solo si oppone al buonsenso e all’urbanità che la società impone, rappresentata del suo amico e uomo di mondo Filinte, ma è anche innamorato di Céliméne, una bella ragazza alquanto civetta, sentimento che contraddice la sua etica e ne fa infine un personaggio complesso, oltre che ridicolo. L’intransigenza del protagonista lo porterà infine ad isolarsi da un mondo dove troppo spesso dilaga l’ipocrisia, la corruzione, la piaggeria e la maldicenza, rinunciando perfino all’amore di Celimene che non può invece rinunciare a vivere la mondanità. Una commedia amara in cui il lieto fine è assegnato solo all’amico Filinte che riuscirà a sposarsi con l’equilibrata Eliante e a ricomporre l’ideale, sebbene in minore nell’architettura drammaturgica, della convivenza civile.
Il misantropo è quindi una opera dai tratti universali e in realtà modernissimi: la fuga da un mondo che si vorrebbe giusto e leale, e che invece giusto non lo è quasi mai, è un sentimento che molti hanno provato di fronte alle delusioni che la vita ci presenta. Non per questo si deve condividere la decisione di Alceste, che forse troppo chiede a una società umana, allora come adesso, fin troppo accomodante, ma certamente ci fa riflettere e ci mette di fronte ad un bivio: sporcarsi le mani per rendere il mondo migliore o isolarsi in una perfetta “torre d’avorio”? È uno dei grandi dilemmi che filosofi, santi ed eroi d’ogni tempo si sono posti e ancora si continuano a porre.
Nella nostra messa in scena, che per sottolineare l’attualità dell’assunto, portiamo verso un’epoca più vicina alla nostra, ovvero all'inizio del novecento, non propenderemo per una scelta o per l’altra, sicuramente verrà sottolineato l’aspetto “atrabiliare”, comico e ridicolo del protagonista, ma anche la superficialità del mondo che lo circonda con le sue ingiustizie, presunzioni e tradimenti. Starà poi al pubblico decidere quale sarà la posizione da preferire.

TEATRO ANFITRIONE - via di San Saba 24 - Roma
dal 15 al 26 marzo 2017
ore 21.00 - domenica ore 18.00
Biglietti Intero 20€ Ridotto 14€

Info e prenotazioni: telefono 06.5750827 - 327.7386420


FA'AFAFINE
Vincitore Eolo Award 2016 - Miglior Spettacolo Teatro Ragazzi E Giovani
Vincitore Premio Infogiovani - Fit Festival Lugano 2015
Vincitore Premio Scenario Infanzia 2014
Patrocinio ufficiale di Amnesty International - Italia 'per aver affrontato in modo significativo un tema particolarmente difficile a causa di pregiudizi ed ignoranza, rappresentando con dolcezza il dramma vissuto oggi da molti giovani'
testo e regia Giuliano Scarpinato
con Michele Degirolamo
in video Giuliano Scarpinato e Gioia Salvatori
visual media Daniele Salaris - Videostille
progetto scenico Caterina Guia
assistente scene e costumi Giovanna Stinga
luci Giovanna Bellini
illustrazioni Francesco Gallo - Videostille
produzione CSS Teatro stabile di innovazione del Friuli Venezia Giulia / Teatro Biondo Palermo
fascia d’età: dagli 8 anni
durata: 60 min

“Siamo incommensurabilmente fortunati ad avere un figlio di genere non conforme. È troppo facile sentirti fortunato quando ottieni quello che desideri. Riesci a sentirti così e continuare ad essere riconoscente quando le cose non vanno come ti aspettavi?
Sì, ci riesci. È questo che ci ha insegnato C.J.”
Lori Duron, Il mio bellissimo arcobaleno

Esiste una parola nella lingua di Samoa, che definisce coloro che sin da bambini non amano identificarsi in un sesso o nell’altro. Fa’afafine vengono chiamati: un vero e proprio terzo sesso cui la società non impone una scelta, e che gode di considerazione e rispetto. Alex non vive a Samoa, ma vorrebbe anche lui essere un “fa’afafine”; è un “gender creative child”, o semplicemente un bambino-bambina, come ama rispondere quando qualcuno gli chiede se è maschio o femmina. La sua stanza è un mondo senza confini che la geografia possa definire: ci sono il mare e le montagne, il sole e la luna, i pesci e gli uccelli, tutto insieme. Il suo letto è una zattera o un aereo, un castello o una navicella spaziale.
Oggi per Alex è un giorno importante: ha deciso di dire ad Elliot che gli vuole bene, ma non come agli altri, in un modo speciale. Cosa indossare per incontrarlo? Il vestito da principessa o le scarpette da calcio? Occhiali da aviatore o collana a fiori? Alex ha sempre le idee chiare su ciò che vuole essere: i giorni pari è maschio e i dispari è femmina, dice. Ma oggi è diverso: è innamorato, per la prima volta, e sente che tutto questo non basta più. Oggi vorrebbe essere tutto insieme, come l’unicorno, l’ornitorinco, o i dinosauri.
Fuori dalla stanza di Alex ci sono Susan e Rob, i suoi genitori. Lui non vuole farli entrare; ha paura che non capiscano, e probabilmente è vero, o almeno lo è stato, fino a questo momento. Nessuno ha spiegato a Susan e Rob come si fa con un bambino così speciale; hanno pensato che fosse un problema, hanno creduto di doverlo cambiare.
Alex, Susan e Rob. Questo spettacolo è il racconto di un giorno nelle loro vite, un giorno che le cambierà tutte. Un giorno speciale in cui un bambino-bambina diventa il papà-mamma dei suoi genitori, e insegna loro a non avere paura. Quando Alex aprirà la porta, tutto sarà nuovo.

ANGELO MAI - Via Delle Terme Di Caracalla 55a Roma
18 marzo h 18 e h 21
19 marzo h 12 e h 19
20 marzo h 11,30 matineé per le scuole

Info e prenotazioni: mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo.
Sito web: http://www.angelomai.org/


HEDDA GABLER
Di Henrik Ibsen
Diretto e interpretato da Alessia Tona
Da Ibsen
Con: Antonio Bandiera, Maurizio Canforini, Marco Masiello, Giulia Pelliciari, Valentina Rosaroni, Daniela Vancheri
Pianoforte: Gabriele Ripa
Mua: Matteo Lilli

Hedda Gabler, figlia del generale Gabler, sposa per motivi puramente economici Jørgen Tesman, uomo insipido la cui massima ambizione è una cattedra universitaria. Al ritorno dal viaggio di nozze, Ejlert Løvborg storico rivale di Jørgen irrompe nelle loro vite dichiarando di aver finalmente scritto un opera che gli permetterà di diventare professore all`università, e vincere davanti l’opinione pubblica Tesman. Ubriaco, Løvborg smarrisce il manoscritto che viene ritrovato dal marito di Hedda; quest`ultima che vuole a tutti costi tenere in pugno la vita di Løvborg, lo incoraggia in modo subdolo a porre fine ai suoi giorni donandogli una delle sue pistole. I tentativi dello scrittore, di ricostruire il contenuto dell’opera sono vani, e Løvborg muore in casa di una prostituta, probabilmente per un incidente e non per suicidio. Il giudice Brack riconosciuta l’ arma , ricatta Hedda minacciandola di divulgare la notizia se non accetterà le sue avances. Per evitare lo scandalo e non subire il ricatto del giudice, Hedda sceglierà di suicidarsi.

Note Di Regia
Questa Hedda Gabler cambia la sua prospettiva uscendo dai dettami del testo di Ibsen, non ci appare come algida e calcolatrice, ma viene posta al centro di un vero massacro psicologico. Sono infatti snaturati e distorti i personaggi che la circondano nella sua nuova casa da sposina infelice. Tutti le si presentano come anime mostruose dedite al proprio tornaconto. È forse questo il potere del personaggio? Vedere con occhi reali l’essenza delle bestie umane? Il punto di vista viene ribaltato in funzione del sentimento provato da Hedda. Non è più lei a manovrare nella prima parte, ma viene gestita dalle personalità ambigue che la circondano. Soggetta a continue forme di monotono perfezionismo e pudore, è costretta a scacciare da lei stessa la voglia di vivere, cadendo vittima dei suoi pensieri. Solo con l’arrivo di Lovborg, riuscirà a far riaffiorare il suo animo passionale e calcolatore che la distingueva, ma sempre in lotta continua con il suo essere vile nei confronti della vita. Tutto sembra ribaltarsi fino a che il gioco da lei ideato non le si ritorcerà contro portandola a compiere un gesto estremo. Hedda racconta una donna forte in cerca d’attenzione. Forse depressa, forse annoiata, che desidera sporcarsi delle sfumature della vita ma ne viene allontanata . Questi mostri, questi altri, matrici di solitudini personali ci aiutano poco nella sopravvivenza quotidiana, e ci sotterrano l’anima fino a farle sfiorare con il vuoto. Per leggerezza Hedda compie scelte sbagliate, non vuole essere madre, ne moglie ma solo viva. È nella crescita di questo desiderio che compie un auto sepoltura in un cimitero casalingo da lei stessa voluto, che non vuole ascoltarla …per sua scelta.
(Alessia Tona)

TEATRO STANZE SEGRETE - Via della Penitenza, 3 (Trastevere) - Roma
Dal 14 al 19 marzo 2017
Orario spettacoli
Dal martedì al venerdì ore 21
Sabato ore 18 e ore 21
Domenica ore 19

Info e prenotazioni: MotusArti telefono 392- 8088371, mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo.
Sito web: www.stanzesegrete.it


NOCCIOLI DI ALBICOCCHE
Scritto, diretto e interpretato da Bianca Maria Castelli
Coacher Cristina Aubry
Con Claudio Bevilacqua, Enrico Mossena e Roberto Capacci
Quadri di Paola Alviano Glaviano
con la partecipazione di Giulio Marasca

Una donna ha bisogno di immaginare la vita degli altri per non sentire l’angoscia per la sua di vita, che sta finendo troppo in fretta per una malattia incurabile. E allontana questo suo dramma quotidiano rifugiandosi nella musica, nel canto e andando via da casa. Così, mentre passeggia nelle strade della sua città osserva accuratamente le persone che incontra ed inizia a fantasticare sulla loro esistenza. Immagina minuziosamente la loro quotidianità e inizia il racconto della vita degli altri: “Noccioli di albicocche”.
“Noccioli di albicocche” parla di vita. Nella sua quotidianità, nelle sue imprese, grandi o piccole che siano. La vita, qualunque essa sia, è preziosa e il congedo da essa è sempre difficile perché momento unico e a noi sconosciuto. Vale sempre la pena di viverla, anche solo per assaporare la dolcezza languida di un frutto dolce e maturo. (B.M. Castelli)

TEATRO ARTEMIA - via Amilcare Cucchini 38, Roma
Dal 17 al 19 Marzo 2017
Venerdì h 20,30 sabato h 21.00 e domenica h 18
Biglietto unico euro 10 + 2 di tessera associativa, i minorenni non pagano la tessera

Info e prenotazioni: telefono 334/1598407


LOVE ME TINDER – HATE ME TRUE
Commedia brillante [in Skatola]
di e con Mauro Fanoni e Alessandra Flamini

«Il [Nuovo-Voyeurismo-Teatrale] è dedicato a chi, per ottenere il piacere teatrale, desidera e ama guardare, da luoghi sicuri e a loro insaputa, attraverso tende, finestre, feritoie e colori, personaggi immersi nel vivere il loro spettacolo. Anime seminude, nude o intente a spogliarsi. Si tratta dunque della trasformazione degli spettatori in [Nuovi-Voyeuristi-Teatrali].»
Kaos in Skatola [Nuovo-Voyeurismo-Teatrale

Il 17 marzo debutterà “Love me tinder – Hate me true” commedia brillante del format teatrale [Kaos in Skatola – Nuovo Voyeurismo Teatrale], in scena per tre fine settimana ogni venerdì, sabato e domenica fino al 2 di aprile presso lo spazio teatrale Mr Kaos. Autori registi e protagonisti della pièce sono Alessandra Flamini e Mauro Fanoni.
Nell’era di Internet, dei social-network, delle chat, il piano virtuale e quello reale spesso si sovrappongono e confondono e le percezioni cambiano. Cambiano gli approcci e le aspettative e molte volte quello che ci si trova di fronte dal vivo dopo un incontro on-line non è proprio quello che ci si aspetterebbe. Gli stereotipi possono ribaltarsi e le nuove dinamiche sfuggire agli “attori” piombati nella realtà.
In “Love me tinder – Hate me true” si racconta questo e molto altro in modo ironico e dissacrante.

Nico si annoia, Eva vuole divertirsi. Si connettono a un sito di incontri ed è subito “Match!”. Appuntamento da lei, con le migliori intenzioni: sesso sì, problemi no. Potrebbe essere una gran serata. Ma la scintilla che scatta non è quella che si sarebbero aspettati. Non accende un fuoco di passione ma un candelotto di dinamite. Cosa? Lui prima ha bisogno di conoscersi un po’? E lei invece vorrebbe soltanto concludere? L’ uomo e la donna sembrano scambiarsi i ruoli. Ne consegue una battaglia di distruzione dei luoghi comuni, duelli in punta d’ironia e colpi sotto la cintura, in un travolgente susseguirsi di situazioni paradossali e divertenti istantanee di una società virtuale sull’orlo di una crisi di nervi. Si ameranno? Si odieranno? Finiranno a letto? L’unica anticipazione possibile è che “Vissero per sempre…almeno fino a quel giorno”.
Lo spettacolo fa parte della produzione [Kaos in Skatola – Nuovo Voyeurismo Teatrale] format ideato da Alessandra Flamini, in collaborazione con Mauro Fanoni e Mr Kaos. Un nuovo modo di guardare il teatro, di viverlo. Dodici pareti da cui spiare, infinite possibilità di partecipare alla creazione di visioni e visuali private, individuali, irripetibili. Lo spettatore sceglie il filtro, il colore, il punto di vista dal quale rubare la storia e i suoi segreti.
Gli spettatori guardano gli attori attraverso un allestimento scenografico di forma pressoché cubica (all’incirca due metri e mezzo per due metri e mezzo), composto da dodici moduli che vanno a formare quattro pareti. Ogni modulo offre un tipo di “visibilità” e “trasparenza”: plexiglass colorati, plexiglass neutri, velatini, strutture in legno, alcuni fissi altri con la possibilità di variarli all’occorrenza aggiungendo elementi scenici come tende o altro.
Gli spettatori possono muoversi durante la visione su tre dei lati della Skatola, cambiare a proprio piacimento il posto a sedere tra quelli rossi disponibili detti anche “posti voyeur”, o decidere di godere dello spettacolo in piedi, rubando segreti da ogni visuale. Solo una parte di pubblico siederà infatti su “posti fissi” o posti blu, dai quali non è possibile muoversi ma guardare lo spettacolo in modo “canonico” attraverso la “quarta parete”.
Quello che ne risulta è una visione di tipo “cinematografico” e assolutamente personale.
Gli spettacoli creati per la Skatola prevedono una regia che, pur senza danneggiare la visibilità per coloro che hanno il posto fisso, tiene sempre conto della possibilità, per coloro che hanno il posto mobile, di cogliere, spostandosi, particolari dettagli, visuali, “inquadrature”.
«Ne consegue che la regia di uno spettacolo [in Skatola] – spiegano i registi- debba tenere conto anche della sfida di confezionare una messinscena perfettamente godibile in modalità “frontale” ma che sappia nel contempo stimolare la curiosità e il movimento dello spettatore “mobile”, celando particolari attraenti ovunque possano essere spiati e colti: dietro le ombre della scena, oppure sul viso di un attore che normalmente sarebbe “di spalle”, magari nell’espressività emotiva di chi sta ascoltando un monologo, oltre che in quella di chi lo sta facendo. La visione a 360 gradi, accanto alla necessità di non lasciare mai alcun particolare al caso, permette di stratificare alcuni dettagli drammaturgici in livelli supplementari che, a seconda del punto di vista dello spettatore, non più “passivo” ma “attivo”, nella propria personale “regia della visione”, possono nutrire lo spettacolo con sfaccettature interessanti, sempre diverse e, si direbbe, anche esclusive e individuali.
Nello specifico caso di “Love me tinder – Hate me true”, spettacolo a due attori, proprio i piani di ascolto risultano essere di grandissima importanza per lo spettatore e di grande stimolo per il regista, specialmente nella misura in cui un nodo cardine della commedia è la reazione di un personaggio di fronte allo spiazzamento generato dalla totale distruzione delle aspettative da parte dell’altro. Spiazzamento che è doppio, biunivoco, laddove sia l’uomo che la donna non si allineano ai clichet che, volente o nolente, trovano spazio in ognuno di noi; e spiazzamento che genera situazioni di incomprensione e stupore, molto spesso caratterizzate da forte ironia e anche grande comicità; a volte, invece, il sorriso e la risata sono stimolate da un’atmosfera divertente ma anche amara, grottesca, che offre generosi spazi di riflessione sulle persone e sulla società di oggi, per chiunque abbia voglia di farlo.»

MR KAOS - via Antonio Dionisi 50, Roma (Zona Monteverde/Portuense)
dal 17 marzo al 2 aprile 2017 (solo venerdì, sabato e domenica)
In scena il Venerdì e Sabato con doppio spettacolo alle ore 20,30 e alle ore 22,00 e la domenica alle ore 20,30.
Biglietto posto fisso 7 euro + 3 euro di tessera associativa.
Biglietto posto mobile 10 euro + 3 euro di tessera associativa.
Lo spettacolo non è adatto alla visione di minori di 14 anni.
Il massimo di spettatori ammesso è di 35 persone a turno.

Info e prenotazioni: mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo. , telefono 327.3087387


Balletto di Milano
ROMEO E GIULIETTA

Liberamente ispirato alla tragedia di William Shakespeare
Balletto in 2 atti su musica di P.I. Čajkovskij
Coreografie e Costumi Federico Veratti
Scenografie Marco Pesta
Regia Federico Veratti

La più grande storia d’amore in una nuova e straordinaria produzione fedele alla storia. Una sinfonia di oro e argento domina la scena sia per gli splendidi costumi delle due famiglie rivali simboleggiate dai due colori, sia per le scene di Marco Pesta.
Lo sfavillante oro dei Capuleti brilla nella festa in cui si conoscono i due giovani amanti che si incontreranno nuovamente sotto la dimora di Giulietta.
Nella coreografia di Federico Veratti la ricchezza di passi trionfa nelle danza d’assieme, la ricerca di un’estetica personale si accentua negli emozionanti passi a due, i virtuosismi classici si fondono con armonia con espressioni moderne rivelando l’eccezionale padronanza delle tecnica per giungere a dinamiche diverse e di diverso approccio.

TEATRO PARIOLI PEPPINO DE FILIPPO - Via Giosuè Borsi 20, 00197 Roma
17 marzo ore 21 - 18 marzo ore 17 e ore 21 - 19 marzo ore 17

Info e prenotazioni: tel. 06 8073040, Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo.
Sito web: www.parioliteatro.it


Data Unica


Pif regista
Margherita Asta figlia di Barbara e sorella di Giuseppe e Salvatore
Daniela Marcone vicepresidente nazionale di Libera
parlano di antimafia dopo 32 anni dalla strage di Pizzolungo

La macchina rallenta improvvisamente, c’è una buca enorme sull’asfalto, sembra sia esploso un vulcano. Sul muro bianco della villa davanti a noi c’è una macchia rossa. Non faccio neanche in tempo a vederla bene. “Papà, è sangue nostro questo?”

2 aprile 1985, ore 8.35 Un’autobomba esplode a Pizzolungo, vicino Trapani. Il bersaglio dell’attentato, il giudice Carlo Palermo, è vivo per miracolo. A fargli da scudo è l’automobile di Barbara Asta che sta accompagnando a scuola i due figli di 6 anni, Giuseppe e Salvatore. Dei loro corpi non resta quasi niente. Su quella macchina avrebbe dovuto esserci anche l’altra figlia, Margherita, che quel giorno ha 10 anni. Ma i suoi fratellini non volevano saperne di vestirsi, per non fare tardi ha chiesto un passaggio a un’amica. Anche lei da quel momento è una sopravvissuta. Quando ha saputo il nome di quel giudice, Margherita ha pensato che fosse colpa sua se la sua famiglia era stata disintegrata. Ma crescendo ha voluto capire, ha iniziato a seguire il processo sui mandanti della strage. Il suo strazio non poteva rimanere un fatto privato.
Oggi è un’attivista di Libera, combatte la mafia raccontando la storia di quelle vittime innocenti. Il giudice Palermo, invece, per le conseguenze di quell’attentato e le continue minacce ha lasciato la magistratura. Sono riusciti a incontrarsi solo molti anni dopo, ricomponendo in un abbraccio i frammenti del loro destino.

100 passi Verso il 21 marzo XXII Giornata memoria della Memoria e dell'Impegno in ricordo delle vittime innocenti delle mafie.

TEATRO PICCOLO ELISEO - Via Nazionale 183, 00184 Roma
Ingresso libero fino a esaurimento posti
Lunedì 13 marzo 2017 ore 18.30

Info e prenotazioni: mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo. , telefono 06 83510216
Biglietteria on-line www.teatroeliseo.com e www.vivaticket.it
Call center Vivaticket: 892234
Sito web: www.teatroeliseo.com


Personaggi e Protagonisti: incontri con la Storia
COLPEVOLI O INNOCENTI
a cura di Elisa Greco
ORIANA FALLACI

Con la Storia a Processo, riprendono gli appuntamenti del format a cura di Elisa
Greco Personaggi e Protagonisti: incontri con la Storia® Colpevole o Innocente?

Mercoledì 15 marzo, al Teatro Parioli Peppino De Filippo, Oriana Fallaci sarà la protagonista del dibattimento processuale che vedrà sulla scena dialogare, a braccio, magistrati, avvocati e personalità della vita civile in un confronto di tesi contrapposte tra accusa e difesa con il pubblico che sarà chiamato ad emettere il giudizio.

Per la prima volta nella storia delle edizioni del format, il processo intorno ad un personaggio si ripropone al giudizio popolare sia a Roma che a Milano anche se con capi di imputazione differenti “A dieci anni dalla morte della giornalista e scrittrice di fama internazionale - commenta Elisa Greco, autrice del format e dello spettacolo,- le sue idee, la vis polemica con cui le ha sostenute, la sua stessa forte personalità fanno discutere e sono più che mai al centro dell’ interesse culturale, come dimostrato dal forte richiamo di pubblico per questo processo sui generis “

Di quali capi di imputazione Oriana Fallaci sarà giudicata colpevole o innocente ?

A renderli pubblici e condurre il processo come Presedente della Corte Giudicante sarà il noto magistrato Simonetta Matone sostituto procuratore generale presso la Corte d’ Appello di Roma, mentre a sostenere l’accusa, come Pubblico Ministero sarà il magistrato Fabrizio Gandini, giudice del tribunale di Roma e nel ruolo di avvocato difensore interverrà Francesco Caringella, presidente di sezione del Consiglio di Stato. Sul banco dei testimoni, in contradditorio compariranno per l’accusa il giornalista e volto del TG1 Paolo Di Giannantonio, e la presidente di Confcultura e della Fondazione Industria e Cultura Patrizia Asproni, mentre per la difesa interverranno la giornalista del Corriere della Sera e scrittrice Emilia Costantini e il noto critico d’arte e creativo Angelo Bucarelli.
Nel difficile compito di impersonare Oriana Fallaci, la giornalista Annalisa Chirico.

Quale sarà il verdetto del pubblico del teatro Parioli Peppino De Filippo?

TEATRO PARIOLI PEPPINO DE FILIPPO - Via Giosuè Borsi 20, 00197 Roma
Mercoledì 15 marzo ore 21
Ingresso: € 10

Info e prenotazioni: telefono 06 8073040, mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo.
Sito web: www.parioliteatro.it

 

IMPRO’
Triangolare Nazionale Roma Napoli Ravenna

E’ lo spettacolo più famoso, il format d’Improvvisazione teatrale per eccellenza, è divertimento ed energia allo stato pure, è Imprò. Verbavolant, storica scuola romana d’Improvvisazione Teatrale, è orgogliosa di presentare Imprò, Triangolare Nazionale Roma Napoli Ravenna, al Teatro Le Maschere in via Saliceti, 3 a Trastevere.
Squadre provenienti da Roma, Napoli e Ravenna si fronteggeranno in sfide d’Improvvisazione Teatrale a suon di battute, gag e storie di ogni genere. Una gara dal ritmo serrato e dall’altro grado di comicità, ma in cui non mancheranno momenti di suggestione e poesia.
Un inflessibile notaio veglierà che tutto proceda secondo le regole e troverà ogni modo per mettere ai ferri corti i nervi degli improvvisatori. Il protagonista sarà però il pubblico. Saranno infatti gli spettatori a suggerire i temi delle improvvisazioni e sarà il pubblico a decretare la squadra vincitrice.
L’Improvvisazione Teatrale è un’arte antica, celeberrima all’estero, in cui gli attori senza copione, canovaccio o scenografia creano sul momento storie, brevi o lunghe, comiche o drammatiche, in ogni caso intense e vere. La creazione artistica avviene quindi davanti agli occhi del pubblico che spesso diventa partecipe - come nel caso dell’Imprò in cui c’è un alto livello interattivo - dell’opera stessa. Si tratta quindi di spettacoli unici ed irripetibili, mai uguali, e dal profondo impatto emotivo.

TEATRO LE MASCHERE - via Saliceti 3, Roma (zona Trastevere)
Venerdì 17 marzo - ore 21.00
Biglietti online o al botteghino: interi 8 euro/ ridotti vv 5 euro
Acquista i biglietti qui: http://www.verbavolant.roma.it/online-store

Informazioni e prenotazioni: telefono 347.9439412
Sito web: www.verbavolant.roma.it


AltraScena Art Management presenta
INFARTO CESAREO
di e con Daniele Fabbri

Lo Spazio Diamante ha aperto il sipario sulla Stand Up Comedy. Dopo i successi dei primi appuntamenti il 17 marzo sale sul palco Daniele Fabbri stand up comedian, autore, sceneggiatore noto per il suo lavoro sulla satira religiosa.
Infarto Cesareo, questo il titolo del suo nuovo monologo, è uno spettacolo che parla dei sentimenti nascosti dietro grandi e piccoli traumi. Dalle semplici brutte figure come essere sorpresi a fissare il seno di una donna, alle esperienze più forti come la perdita di un amico o la fine di una relazione importante. Tutti quei frammenti delle nostre vite che generano ansie, paure, e tabù, analizzati e scardinati a suon di risate dissacranti, in pieno stile Standup Comedy.

“Quando avevo quattro anni mia madre mi ha rimproverato nei bagni dell’asilo, perché avevo schizzato la tavoletta del water con delle gocce di pipì” racconta il comico “una bambina della mia classe ha sentito tutto e mi ha riso in faccia, mi sono vergognato per giorni. Oggi quando vado in bagno alzo sempre la tavoletta e pulisco tutto, cosa che soprattutto le donne apprezzano. In sintesi, per colpa del trauma oggi sono una persona migliore”. Nel suo settimo monologo, Daniele Fabbri sale sul palco per mettere a nudo le esperienze traumatiche più importanti della sua vita, perché lo sanno tutti che il modo migliore per superare i traumi è parlarne. Solo che quando li racconti allo psicologo, quello non ride mai.
Apriranno lo spettacolo Michela Giraud e Martina Catuzzi, giovani professioniste della StandUp che hanno lavorato con Fabbri in alcuni programmi tv e che stanno arricchendo il panorama nazionale della nuova comicità, scelte dallo stesso Fabbri per «la loro professionalità, la loro bravura, e perché Pippo Baudo ha sempre avuto due belle donne, una volta che ho l'occasione, lasciatemi fare!»
Daniele Fabbri, classe '82, attore comico-satirico, autore, sceneggiatore e pioniere della StandUp Comedy in Italia, ha partecipato come autore e come comico in trasmissioni radiotelevisive (tra cui NemicoPubblico con Giorgio Montanini RAI3, CCN con Saverio Raimondo Comedy Central).

SPAZIO DIAMANTE - via Prenestina 230 b, Roma
17 marzo 2017 ore 21.00
Intero 15 €+ 2€ - Ridotto 10€ + 1.50€

 

Ancora in scena

MURA
di Riccardo Caporossi
ideazione, progetto, messa in scena, esecuzione Riccardo Caporossi
con Vincenzo Preziosa
luci Nuccio Marino
foto Zhang Xinwei

Produzione Teatro di Roma – Teatro Nazionale

Dopo la ricostruzione di Forme la scorsa estate al Teatro India, torna nella cornice della Sala Squarzina del Teatro Argentina, dall’8 marzo al 1 aprile, il teatrante-artigiano della scena Riccardo Caporossi con MURA, spettacolo che compone il dittico di creazioni dedicato a un vero e proprio protagonista della ricerca teatrale italiana.
Lo spettacolo, una produzione Teatro di Roma, ricrea in scena un quadro visivo, una “scatola teatrale” completa e autonoma con circa 50 mattoni che vanno a comporre un muro, dietro il quale c’è una superficie su cui si proiettano ombre che si concretizzano in forme: mani, scarpe, cappelli, scale, bottiglie, cannocchiali, bastoni, ombrelli. Mura rimuove gli ostacoli attraverso l’immaginazione, smantella quelle barriere che ancora oggi sono motivo di divisioni, quelle cortine immateriali e invisibili fatte di odio, paura, mancanza di immaginazione, e quelle costruzioni mentali e costrizioni sociali che rendono prigionieri e separano gli uomini per razza, religione, cultura e ricchezze.
Si parla ora dell’Europa dei “muri”, frontiere che sbarrano mettendoci di fronte ad “un vicolo cieco”. Una vera e propria ricerca di significato sui gradi di conoscenza tra immagine rappresentata e la sua vera natura: il muro ne è lo spartiacque e può svelare qualcosa che altrimenti rimane nascosto. Così, un prologo verbale tra ombre e suoni ad esse connessi introduce il pubblico di fronte al muro, costretto con lo sguardo fisso come si fosse in fondo ad un vicolo cieco. Da qui inizia un gioco che si svolge in toni fantastici, surreali, ironici per terminare nel lungo elenco dei muri che dividono il mondo.
Circa quaranta anni dopo Cottimisti, Riccardo Caporossi riporta in scena “i mattoni” con una performance che unisce l’arte e un teatro essenziale, costringendo lo spettatore ad osservare il dettaglio, il tempo dei gesti, i silenzi tra le cose. «Nel 1977 ho realizzato insieme a Claudio Remondi lo spettacolo Cottimisti in cui costruivamo, in scena, un muro vero con 1000 mattoni veri. Operai visionari. Altri tempi, per valutare il senso dello spettacolo. Dietro quel muro, manu-fatto vero, apparivano un paio di mani che con l’alfabeto dei sordo-muti lanciavano un messaggio oltre il confine. Mura è un “dettaglio” di quel muro; è un “primo piano” di memoria che vuol dire conoscenza, appello della mente – racconta il regista e interprete Riccardo Caporossi – È una pagina, una tela, uno schermo: frammento di ciò che può esserci, di qua o di là del muro. Altri tempi, per valutare il senso dello spettacolo. Alla fine calava una grande sfera di metallo, sospesa tra il pubblico e il muro. Una provocazione. Un suggerimento per abbatterlo. Di lì a 12 anni fu abbattuto il muro di Berlino. Quelle mani giocavano con dei segni scritti nell’aria, senza necessariamente chiedere soccorso, ma spronavano ad immaginare. Quelle mani tornano ad affacciarsi di là del muro. Portano il segno del tempo, non ancora livide e nodose, agiscono nell’invisibile mondo dell’immaginazione. Altri muri da abbattere. Il tempo presente, per valutare il senso dello spettacolo. Il tempo presente, per far sbocciare una nuova immaginazione».
Un gioiello di grazia e di intelligenza, in cui protagonisti sono essenzialmente gli oggetti, una particolare composizione teatrale in cui i mattoni man mano vengono sottratti fino a lasciare vuoto il palcoscenico e la strada aperta alla riflessione.

TEATRO ARGENTINA (Sala Squarzina) - Largo di Torre Argentina, Roma
Dall’8 marzo al 1° aprile 2017
in replica sempre alle ore 17, 9 e 26 marzo ore 21
Durata spettacolo: 60 minuti
Prezzo speciale 10 euro | ridotto 8 euro

Info e prenotazioni: mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo. , telefono 06 684 00 03 11 / 14
Sito web: www.teatrodiroma.net


Raoul Bova e Chiara Francini in
DUE
di Miniero e Smeriglia
regia di Luca Miniero
Aiuto Regia Paola Rota
Disegno Luci Daniele Ciprì
Scenografia Roberto Crea
Costumi Eleonora Rella

Raoul Bova e Chiara Francini saranno in scena dal 9 al 26 marzo al Teatro Ambra Jovinelli, protagonisti dello spettacolo DUE, scritto da Miniero e Smeriglia. Una scelta significativa per Bova, che ritorna al palcoscenico dopo quasi vent’anni, dedicati al cinema e alla televisione. Regista è lo stesso Luca Miniero, al suo esordio teatrale, dopo i successi sul grande schermo.
La scena è una stanza vuota. L'occasione è l'inizio della convivenza che per tutti gli essere umani, sani di mente, è un momento molto delicato. Che siano sposati o meno, etero oppure omo. Marco è alle prese con il montaggio di un letto matrimoniale, Paola lo interroga sul loro futuro di coppia. Sapere oggi come sarà Marco fra 20 anni, questa è la sua pretesa. O forse la sua illusione. La diversa visione della vita insieme emerge prepotentemente nelle differenze fra maschile e femminile. Entrambi i due giovani evocheranno facce e personaggi del loro futuro e del loro passato: genitori, amanti, figli, amici che come in tutte le coppie turberanno la loro serenità. Presenze interpretate dagli stessi due protagonisti che accompagneranno fisicamente in scena dei cartonati con le varie persone evocate dal loro dialogo. Alla fine il palco sarà popolato da tutte queste sagome e dai due attori: l'immagine stilizzata di una vita di coppia reale, faticosa e a volte insensata. Perché non sempre ci accorgiamo che in due siamo molti di più. E montare un letto con tutte queste persone intorno, anzi paure, non sarà mica una passeggiata.
(Luca Miniero)

TEATRO AMBRA JOVINELLI - via Guglielmo Pepe 43 /47, 00185 Roma
9|26 marzo 2017
Spettacoli dal martedì al sabato ore 21:00 - domenica ore 17:00 - sabato 11 marzo doppia replica ore 16:30 e ore 21:00
Biglietti (compresa prevendita): da € 33,00 a € 17,00
Convenzioni parcheggio in orario spettacolo:
• Garage Esquilino – via G. Giolitti, 27/A - dal martedì al sabato € 1,50 l’ora
• Parcheggio ES Giolitti Park – via G. Giolitti 267 - tutti i giorni € 1,00 l’ora

Info e prenotazioni: telefono 06 83082620 - 06 83082884
Sito web: www.ambrajovinelli.org


Massimo Dapporto e Tullio Solenghi in
QUEI DUE
Staircase – Il sottoscala
di Charles Dyer
adattamento Massimo Dapporto
scene Massimo Bellando Randone
costumi Moris Verdiani
musiche Brentmont
regia Roberto Valerio

Una splendida commedia sull’amore.
Un amore che dura per tutta una vita.
Un amore fatto di attenzioni, di cure reciproche, di affetto; e naturalmente di continui litigi, ripicche, dispetti e plateali scenate.
Un vero amore.
Un amore omosessuale.
Protagonisti due uomini di mezza età, Charlie e Harry, di professione barbieri.
Harry e Charlie sono una coppia di barbieri omosessuali “intrappolati” da circa trent’anni in una barberia londinese situata in un sottoscala dove hanno condiviso gran parte delle loro irrisolte vite; un sottoscala dagli echi dostoevskiani in cui i protagonisti si torturano reciprocamente senza sosta incapaci di risparmiarsi l’un l’altro fino allo sfinimento, in una quotidianità paralizzante e asfissiante come l’odore di gas che fuoriesce dalla vecchia caldaia e che appesta l’aria del loro negozio.
Stanchi della solita routine e delle dinamiche ripetitive e frustranti che caratterizzano la loro vita e la loro relazione, i due uomini si dilaniano a vicenda con incessanti litigi, velenosi battibecchi, ingiurie crudeli e subdole ripicche, infliggendosi in tal modo inutili e continue sofferenze. Eppure Harry e Charlie sono legati indissolubilmente e disperatamente l’uno all’altro da decenni. È forse proprio quell’amore ormai lacero e stantio, ma ancora capace di accendersi e dispiegarsi con calore, l’unica cosa in grado di restituire un senso alla loro tragicomica parabola esistenziale. E così continuano, malgrado tutto, a prendersi teneramente cura l’uno dell’altro forse perché la solitudine è un abisso troppo oscuro e doloroso in cui sprofondare.
Harry è una civetta effeminata e suscettibile che mal sopporta i segni impietosi impressi dal tempo sul suo corpo: incapace di accettare un’improvvisa e irreversibile calvizie, cerca di occultarla con un ridicolo turbante arrotolato intorno al capo. Per compensare un forte istinto materno inappagato e inappagabile, ricopre il compagno di amorevoli e soffocanti attenzioni accolte senza entusiasmo né gratitudine da quest’ultimo che, non si lascia mai sfuggire l’occasione per schernirlo e umiliarlo.
D’altro canto Charlie è un pavone consumato dal narcisismo, un attore fallito che millanta di aver goduto di una certa fama nel mondo dello spettacolo, in un passato ormai lontano e che vive nell’anonimato, ormai da decenni, al fianco di Harry. Da giovane è stato sposato, probabilmente per tentare di sottrarsi al senso di inadeguatezza e di imbarazzo procurati da un’omosessualità accettata con fatica e per cui continua a provare vergogna, tanto da non riuscire ancora a confessarsi con la decrepita e disprezzata madre, abbandonata (assecondando un malcelato istinto punitivo) in un’orrenda casa di riposo. Sorte che non disdegnerebbe di riservare anche all’inferma madre di Harry la cui presenza incombe al piano di sopra. Ha inoltre una figlia mai conosciuta che sta per fargli visita.
Su tutta la commedia incombe l’ombra di un processo che Charlie dovrà affrontare per sospetto di omosessualità e per atti osceni in luogo pubblico.
Quello di Harry e Charlie è un amore consumato clandestinamente in un oscuro “sottosuolo”, emblema di una felicità sacrificata, di un’esistenza votata alla dissimulazione e alla vergogna, sullo sfondo di una società omofoba, quella dell’Inghilterra degli anni sessanta, che sorveglia e punisce (per dirla con Foucault) gli omosessuali con pene severe.
Una società inchiodata al giogo dell’oscurantismo, in cui essere omosessuale significava rischiare il carcere o la castrazione chimica. Una società intollerante e autoritaria che esercitava un coercitivo e arbitrario potere sui destini individuali, fissando lo scarto tra il bene e il male, intromettendosi con ingiustificabile violenza nella vita privata dei singoli, vagliandone i sentimenti, le pulsioni, i desideri e sentenziando sulla loro legittimità.
Due esistenze castrate, mortificate e offese quelle di Harry e Charlie, come quelle di moltissimi altri omosessuali dell’epoca, perseguitati da una legge obsoleta che si perde nel tempo: il Buggery act adottata in Inghilterra per la prima volta nel 1533 e abolita soltanto nel 1967.
(La stessa legge da cui fu perseguitato nel 1895 il celebre scrittore poeta e drammaturgo Oscar Wilde -processato e poi rinchiuso in carcere per due anni- divenuto poi l’emblema della lotta di liberazione degli omosessuali tanto da essere invocato da Charlie nel testo come una sorta di divinità propizia e protettrice. Quella stessa legge poi che non può non riportare alla memoria la tragica fine dello scienziato inglese Alan Turing, il quale, nonostante avesse contribuito con le sue invenzioni a determinare la sconfitta della Germania nazista nel secondo conflitto mondiale, dopo la guerra fu condannato per omosessualità nel suo paese e sottoposto ad una abietta castrazione chimica nel 1952 che lo spinse a togliersi la vita due anni più tardi.)
Senza compromettere la dirompente e amara comicità della commedia, pubblicata nel 1966 e rappresentata per la prima volta nello stesso anno con la regia di Peter Hall, Dyer mostra anche un tetro spaccato della società inglese a lui contemporanea, affrontando tematiche allora scabrose e oggi ancora attualissime.
In un esilarante e spietato confronto quei due nel giro di una notte si confesseranno per la prima volta in trent’anni. Con un’ironia pungente dal sapore amaro e crudele, si racconteranno sviscerando senza riserve il proprio doloroso vissuto, mostrandosi nudi in tutta la loro sincera, grottesca, fragile, arresa e sopraffatta umanità, per ritrovarsi infine, uniti nella consapevolezza di non poter sopravvivere in solitudine alle molteplici miserie che li tormentano.
Roberto Valerio

TEATRO QUIRINO VITTORIO GASSMAN - via delle Vergini, Roma
Dal 7 al 19 marzo 2017
Orari Spettacoli: da martedì a sabato ore 21 / domenica ore 17, giovedì 9, mercoledì 15 marzo ore 17, sabato 18 marzo ore 17 e ore 21

Info e prenotazioni: telefono 06.6794585, mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo.
Sito web: www.teatroquirino.it


Sergio Assisi
Luigi Di Fiore| Francesco Procopio
Fabrizio Sabatucci | Beatrice Gattai
L'ISPETTORE DRAKE E IL DELITTO PERFETTO
di David Tristram
musiche originali LOUIS SICILIANO ALUEI-Edizioni musicali GDM Music
scenografia ROBERTO CREA | disegno luci FRANCESCO ADINOLFI
costumi e grafica MIRJANA PANOWSKY |aiuto regia PINO L’ABBATE
foto MARINA ALESSI | produzione esecutiva LUCILLA DE ROSA
distribuzione GIANPIERO MIRRA | ufficio stampa SILVIA SIGNORELLI
adattamento e regia Sergio Assisi

Quando un genio decide di commettere un delitto, il piano che mette in pratica per portare a termine il suo progetto è a prova di errore.
Ma è anche a prova di idiota?
L’Ispettore Drake e il suo fido aiutante Plod si ritrovano a dover affrontare la più grande sfida delle loro carriere: risolvere un misterioso e intricato delitto. E quando diciamo intricato, intendiamo proprio intricato, intricato come… come una cosa molto intricata, per intenderci.
Chi è il misterioso dottor Short? E perché ha sposato un facocero? E’ stato lui ad uccidere la sua quarta moglie o è stata la sua quarta moglie a uccidere lui? Ha veramente due figlie di nome Sabrina o una delle due mente? Che ci fa il Papa nel bosco? Ma soprattutto, perché c’è un lampione in salotto?
Queste sono solo alcune delle tante domande a cui l’ispettore dovrà dare una risposta.
Personaggio surreale al servizio di un thriller surreale, l’Ispettore Drake racchiude in sé tutti i luoghi comuni del detective esasperati all’ennesima potenza, fino ad ottenere una miscela esplosiva e irresistibilmente comica. La sua lampante incompetenza, malcelata da un atteggiamento serioso e goffamente beffardo, è resa ancora più esilarante dall’accoppiata con il sergente Plod, il peggior assistente che un detective possa desiderare di avere al suo fianco quando si sta indagando su un omicidio!
In questa fortunata commedia inglese si alternano continue e inaspettate gag e innumerevoli colpi di scena, trascinando lo spettatore in un universo goliardico dove tutto, ma proprio tutto può accadere, e dove ciò che è incredibile diventa magicamente plausibile.

Note di regia

Lo spettacolo nasce dalla volontà di rappresentare qualcosa di nuovo e di classico nello stesso momento.
Una commedia inglese dall’inconfondibile humor surreale, che si amalgama con la comicità nazional popolare.
L’idea è quella di dar vita a personaggi dichiaratamente eterogenei per dialetto. Dal napoletano al milanese, passando per il romano. Una sorta di spettacolo multietnico, che prova a sfruttare le comicità regionali, sulla base di una provata e internazionale ironia british.
Protagonista della storia non è un “semplice” delitto da risolvere, ma il gioco complesso e matematico del teatro nel teatro, l’abbattimento della quarta parete, e finzione che si mischia a realtà.
Attori che escono fuori dal personaggio e personaggi che giocano ad essere attori.
L’ambientazione classica di un salotto inglese, ma ricco di elementi folli, porta lo spettatore fin dall’inizio in una nuova dimensione, resa confortevole dalle più classiche trovate sceniche.
Una prima esperienza di regia teatrale, ambiziosa ma non troppo, con la quale provare a creare un nuovo stile identificativo.
Può la stupidità vincere sul genio del male? Può il genio prendersi gioco del comune essere umano senza pagare le conseguenze della propria vanità?
(Sergio Assisi)

TEATRO SALA UMBERTO - via della Mercede 50, Roma
Dal 7 al 19 marzo 2017

Info e prenotazioni: telefono 06 6794753, mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo.
Sito web: www.salaumberto.com


L’ORA DI RICEVIMENTO
Banlieue
di Stefano Massini
Con Fabrizio Bentivoglio
e Francesco Bolo Rossini, Giordano Agrusta, Arianna Ancarani
Carolina Balucani, Rabii Brahim, Vittoria Corallo, Andrea Iarlori,
Balkissa Maiga, Giulia Zeetti, Marouane Zotti
Scenografia Marco Rossi
Costumi Andrea Cavalletto
Musiche originali Luca D’Alberto
Voce cantante Federica Vincenti
Luci Simone De Angelis
Regia Michele Placido
Produzione TEATRO STABILE DELL’UMBRIA

Nella classe del professor Ardeche anche il menù è guerra tra religioni.

Il professor Ardeche è un insegnante di materie letterarie. Un disilluso, un cinico, uno spietato osservatore e un lucidissimo polemista. Fra le sue passioni svettano Rabelais e il Candide di Voltaire. Peccato che la sua classe si trovi nel cuore dell'esplosiva banlieue di Les Izards, ai margini dell'area metropolitana di Tolosa: un luogo in cui la scuola, al di là di Rabelais e di Voltaire, è una trincea contro ogni forma di degrado. La scolaresca che gli è stata affidata quest'anno è ancora una volta un crogiuolo di culture e razze, con l’incognita sempre in agguato di improvvisi crolli: nella convinzione che il vero trionfo sarebbe portare fino in fondo i suoi allievi senza perderne nessuno per strada, il professor Ardeche riceve le famiglie degli scolari ogni settimana per un'ora, dalle 11:00 alle 12:00 del giovedì. Ed è attraverso un incalzante mosaico di brevi colloqui con questa umanità assortita di madri e padri, che prende vita sulla scena l'intero anno scolastico della classe Sesta sezione C, da settembre a giugno. Al pubblico spetta il compito di immaginare i visi e le fattezze dei giovanissimi allievi, ognuno ribattezzato dal professor Ardeche con un ironico soprannome, e ognuno protagonista a suo modo di un frammento dello spettacolo. Sullo sfondo, dietro una grande vetrata, un grande albero da frutto sembra assistere impassibile all'avvicendarsi dei personaggi, al dramma dell'esclusione sociale, ai piccoli incidenti scolastici di questi giovani apprendisti della vita. E il ciclo naturale della perdita delle foglie e della successiva fioritura accompagna lo svolgersi regolare di ogni anno scolastico, suonando quasi come un paradosso davanti a quel mondo, esterno alla scuola, che di anno in anno è sempre più diverso.

Note di regia

Penso che siamo tutti d’accordo nel dire che il teatro italiano è poco connesso con il mutare dei tempi, tenendo conto delle trasformazioni della società. Si distinguono i testi dello scrittore e drammaturgo Stefano Massini, che ben raccontano l’evoluzione del tessuto sociale non solo italiano, ma europeo. Per questo, dopo l’avventura di 7 minuti, che con lo stesso Massini ho adattato per farne un’opera cinematografica, ho accettato con entusiasmo la proposta del Teatro Stabile dell’Umbria, nella figura di Franco Ruggieri, di essere regista a teatro di un altro lavoro di Massini, L’ora di ricevimento. Leggendo il testo, ho capito subito che tra il precedente 7 minuti e L’ora di ricevimento c’è un lavoro di continuità sui grandi cambiamenti che stanno accadendo nella storia sociale europea, cambiamenti che ci riguardano tutti. L’ora di ricevimento racconta, infatti, con verità e ironia, l’incontro–scontro culturale, sociale e religioso tra le famiglie di una classe di bambini delle periferie delle metropoli europee e un Professore attento e partecipe alla crescita culturale dei suoi allievi, ma che, nel percorso dell’anno scolastico cui assistiamo, si trova a mettere in discussione il modello educativo di una classe intellettuale borghese sempre più spiazzata dai cambiamenti epocali della recente storia contemporanea.
Per il ruolo del Professore ho voluto come compagno di viaggio Fabrizio Bentivoglio, un artista di rara intensità e sensibilità con cui ho già collaborato in due miei film come regista: Un eroe borghese e Del perduto amore. Con Stefano Massini e con Franco Ruggieri abbiamo subito pensato che Fabrizio fosse l’interprete ideale per questo ruolo raro per la drammaturgia italiana. A completare il cast la Compagnia dei Giovani del Teatro Stabile dell’Umbria che vede tra gli altri il “professorino” di Francesco “Bolo” Rossini, Balkissa Maiga già tra le interpreti di "7 minuti", e Marouane Zotti che aveva recitato in "Lehman Trilogy" di Massini con la regia di Luca Ronconi. La possibilità di contribuire al percorso di crescita di un cast di giovani ha reso ancora più stimolante quest’avventura.
Ho sempre pensato a un teatro d’ensemble, in cui gli attori diventino parte del progetto sia nella costruzione dei personaggi, sia facendo ricerche sulle abitudini e i costumi, non solo sul proprio personaggio, ma indagando anche su tutti gli altri. Insomma, devono diventare collaboratori stretti, preziosi, non subendo il ruolo del regista, ma diventando corpo unico con lui, dal primo attore al più giovane.

TEATRO ELISEO - via Nazionale 183, 00184 Roma
Da martedì 7 a domenica 26 marzo 2017
Orario spettacoli: martedì, giovedì, venerdì e sabato ore 20.00, mercoledì e domenica ore 17.00
Prezzi da 25 € a 40 €

Info e prenotazioni: mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo. , telefono 06.83510216
Biglietteria on-line www.teatroeliseo.com e www.vivaticket.it
Sito web: www.teatroeliseo.com


SCANNASURICE
di Enzo Moscato
Con Imma Villa
Scena Roberto Crea
Suono Hubert Westkemper
Musiche originali Paolo Coletta
Costumi Daniela Ciancio
Disegno luci Cesare Accetta
Regia Carlo Cerciello
Produzione ELLEDIEFFE
TEATRO ELICANTROPO ANONIMA ROMANZI

Carnale, ironica rabbiosa, sperduta e tenerissima

Scannasurice è il testo che nel 1982 segnò il debutto di Enzo Moscato come autore e interprete. Oggi con questa straordinaria interpretazione di Imma Villa è diventato un piccolo classico aggiudicandosi il Premio della Critica 2015 come Miglior spettacolo.
Scannasurice è una misteriosofica discesa agli inferi, come la definisce l’autore stesso, che attraversa la ferita della napoletanità. Racconta un terremoto metaforico, quello legato alla precarietà dettata dalla perdita di futuro in seguito al terremoto del 1980, ma anche quello esistenziale profondo che attraversa il protagonista. Scannasurice fa la vita, “batte”.
È un femminello dei Quartieri Spagnoli che vive in una sorta di stamberga, piena di cianfrusaglie e buste di immondizia; che parla con i topi con cui ha un rapporto di amore-odio e che rappresentano i napoletani; senza un’identità sessuale, metafora di incompletezza e inadeguatezza come solo i femminelli di Moscato sanno essere, creature mitologiche, quasi magiche. Per questo ne è interprete un’attrice che del personaggio esalta l’ambiguità e l’eccesso. In un dialetto lirico e suggestivo, la creatura a metà tra l’osceno e il sublime distilla imprecazioni esilaranti, filastrocche popolari e antiche memorie in un’alternanza di ritmi e di sonorità rendendo un testo ed uno spettacolo propriamente caratterizzato dalla parola profondamente affascinante.
Cerciello coniuga qui i due finali scritti da Moscato in due momenti successivi: il primo nel 1982, il secondo, su impulso di Annibale Ruccello che ne fece la regia due anni dopo. Di una morte simbolica comunque si tratta, nel segno di un pessimismo che lascia poche vie di fuga.

TEATRO PICCOLO ELISEO - via Nazionale 183e, Roma
Da mercoledì 8 a domenica 19 marzo 2017

Orario spettacoli: martedì, primo mercoledì di replica, giovedì, venerdì e sabato ore 20.00
mercoledì e domenica ore 17.00
Prezzi da 21 € a 30 €

Info e prenotazioni: Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo. , Tel. 06 83510216
Biglietteria on-line www.teatroeliseo.com e www.vivaticket.it
Call center Vivaticket: 892234
Sito web: www.teatroeliseo.com


Nadia Rinaldi e Walter Croce in
GENTE DI FACILI COSTUMI
di Nino Manfredi e Nino Marino
Regia Walter Croce

In una società come la nostra hanno ancora valore l’onestà, la dignità e il rispetto delle persone? La risposta la troverete nella commedia Gente di facili costumi in scena al teatro Tirso de Molina di Roma dall’8 al 26 marzo con due straordinari interpreti: Nadia Rinaldi e Walter Croce.
Andato in scena per la prima volta nel 1988, con lo stesso Nino Manfredi nei panni del protagonista, Gente di facili costumi è considerato ancora oggi uno dei testi più eclatanti portato nei teatri italiani negli ultimi anni.
«È una pièce brillante e piena di ritmo», spiega Walter Croce, regista e protagonista dello spettacolo, «ma percorsa anche da una velata malinconia. I personaggi appartengono a due mondi opposti, ma nel corso della storia ci accorgiamo che in fondo sono più simili di quanto sembri, perché uniti dalla stessa solitudine e dalla incapacità di integrarsi in una società troppo cinica e ipocrita».
Anna esercita la più antica professione del mondo.
Rientra a casa alle quattro del mattino, sbatte rumorosamente la porta d’ingresso, apre i rubinetti della vasca da bagno, e in attesa che la vasca si riempia accende ad alto volume la musica, intanto fa qualche telefonata, a voce alta per sovrastare il suono. Fa cascare delle cose, gira per casa sbattendo i tacchi.
Ugo abita sotto. Uomo di cultura, professore universitario, scrittore, squattrinato sceneggiatore di film intellettuali che non trovano produttori. Lui non ne può più di essere svegliato ogni mattina alle quattro, sale a protestare. I due si conoscono. Due solitudini che s’incontrano, due facce della stessa medaglia. Costretti alla convivenza, per l’appartamento allagato di lui dalla vasca di lei e in seguito dallo sfratto per morosità, sviluppano un interessante e ironico “mutuo soccorso”.
Lui le offre la sua conoscenza ed intelligenza, lei un tetto, cibo e calore umano. Così attraverso divertenti vicissitudini di vita quotidiana ed equivoci dovuti dalla voglia di lei di aiutarlo a realizzare il suo film, le distanze si accorciano e i due opposti si… toccano.

TEATRO TIRSO DE MOLINA - via Tirso 89 (Piazza Buenos Aires), 00198 Roma
dall’8 al 26 marzo 2017
Intero: mercoledì e giovedì € 25, venerdì, sabato e domenica € 27
Ridotto: mercoledì e giovedì € 22, venerdì, sabato e domenica € 24
Orari: mercoledì, giovedì, venerdì e sabato ore 21:00, sabato e domenica ore 17:30

Info e prenotazioni: telefono 06.8411827
Sito web: www.teatrotirsodemolina.it


NANO EGIDIO, LA TRILOGIA
Una retrospettiva prematura
di Marco Ceccotti
con Marco Ceccotti, Francesco Picciotti e Simona Oppedisano
regia Nano Egidio
luci Giacomo Cappucci / Camila Chiozza

Il Nano Egidio, collettivo teatrale di attori e pupazzi è in scena al Teatro Studio Uno dal 9 al 26 Marzo con tutti e tre gli episodi della sua divertente, ironica e dissacrante trilogia.
Il 9 e 10 Marzo si inizia con lo storico e pluripremiato Nano Egidio, una Storia Vera. Season One, l'11 e 12 Marzo è la volta di Batman Blues mentre a partire da giovedì 16 Marzo debutta in prima assoluta il nuovo Nano Egidio contro il Male di Vivere Spesso Incontrato, un kolossal intimista, residenza creativa 2016-17 del Teatro Studio Uno.
La trilogia ha una trama originale e fuori dagli schemi: la Season One, il primo capitolo dalle tinte giallo-fiabesche ci racconta la nascita dell'amicizia tra il Nano Egidio, un generico nano delle fiabe che qualcuno vuole morto e Batman, investigatore ormai stanco del suo lavoro che indaga sul caso di tentato omicidio; Batman Blues, è un sequel/prequel che ci mostra il passato oscuro e tormentato di Batman e del Nano Egidio e ci narra di come i due amici cercheranno di sconfiggere l'ondata di crimini e violenza che hanno luogo nella Capitale del Mondo della Fantasia.
Nano Egidio contro il Male di Vivere Spesso Incontrato, ha come sfondo un Mondo in pieno clima di terrore e vede Batman e Nano Egidio, divisi da differenti e contrastanti scelte di vita, affrontare dei nemici ancora più pericolosi, non più i classici cattivi fumettistici o dei cartoni, bensì le paure, le crisi e le ansie che caratterizzano i nostri tempi. Lo spettacolo si ispira ai film d’azione americani senza averne i soldi e i mezzi. Gli effetti speciali e il montaggio rapido, tipici di questo genere cinematografico, vengono ricreati in scena tramite la manipolazione dei più disparati giocattoli e pupazzi e la costruzione di gag estreme e demenziali.
Il Teatro Studio Uno offre agli spettatori una retrospettiva prematura su uno dei gruppi più bizzarri e interessanti della scena off romana, una formazione che da 6 anni, mescolando brillantemente elementi di teatro di figura, comicità di situazione, personaggi dell’immaginario popolare e POP realizza degli spettacoli che sono un mix esplosivo di ironia, risate e divertimento.

NANO EGIDIO CONTRO IL MALE DI VIVERE SPESSO INCONTRATO dal 16 al 26 marzo
Ingr. 10 euro. Tessera associativa gratuita
Giov – Sab ore 21.00, Dom. ore 18.00

TEATRO STUDIO UNO - via Carlo della Rocca 6, Roma (Torpignattara)
Dal 9 al 26 marzo 2017

Info e prenotazioni: telefono 3494356219- 3298027943, mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo.
Sito web: www.teatrostudiouno.com


CANCUN
Con Pamela Villoresi, Blas Roca Rey, Giancarlo Ratti e Nicoletta Della Corte
Di Jordi Galceràn
regia di Marco Mattolini

Cancun è una commedia dagli aspetti comici e surreali sulle relazioni e i desideri inconfessabili dell’amore coniugale. Due coppie di amici vanno in vacanza a Cancun, meta ideale per celebrare oltre vent’anni di amicizia. Tutto sembra perfetto all’arrivo: Francesca e Giovanni con Laura e Paolo si godono il paradiso che li accoglie, in un ambiente naturale da favola, ma festeggiano forse con troppe bollicine il loro arrivo. L’ebbrezza infatti porta a rivelare dei segreti che sarebbe stato meglio restassero tali, rendendoli consapevoli che le cose in passato sarebbero potute andare in maniera diversa. Ma se la vita nella quale si erano riposte tante aspettative si è rivelata meno bella del previsto, cosa può succedere? E se i desideri più inconfessabili per uno strano gioco del destino si potessero realizzare?

TEATRO GRECO - Via Ruggero Leoncavallo 10, 00199 Roma
dal 7 al 19 marzo 2017

Info e prenotazioni: mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo. - Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo. , telefono 06 8607513
Sito web: www.teatrogreco.it


La Compagnia Teatrale Sogni di Scena presenta
MENTRE LE LUCI ERANO SPENTE
di Jack Sharkey
Regia Emilia Miscio
con Claudio Bianchini, Flaminia Grippaudo, Lidia Losito, Claudio Carnevali, Loredana Cofano, Simone Giulietti, Gisella Cesari, Daniela Zoffoli, Laura Pacini, Massimo Sconci, Leone Mazzotti, Francesca Sampogna, Chiara Carpentieri, Ambra Lucchetti
Disegno Luci e Musica Giorgia Caredda
Scene Giorgio Miscio
Foto e Video Riccardo Dell'Era
traduzione di Emilia Miscio

Il Teatro San Genesio dal 7 marzo si tingerà di giallo, ma con il sorriso, per il debutto dello spettacolo “Mentre le Luci erano Spente”, una murder farce scritta dall’americano Jack Sharkey nel 1988 del tutto inedita in Italia, messa in scena per la prima volta dalla Compagnia Teatrale Sogni di Scena diretta dalla regista Emilia Miscio che ne ha curato anche la traduzione e l’adattamento.
Sharkey è stato infatti un prolifico autore di commedie, gialli e musical, scomparso nel 1992, ma quasi completamente sconosciuto in Italia.
La vicenda raccontata è ambientata nella residenza della ricca famiglia Wickenham dove fervono i preparativi per l’arrivo degli ospiti, che giungeranno per trascorrere alcuni giorni di vacanza. Un detective, l’ispettore Benjamin Braddock e il suo assistente, il sergente Alma Threedle, arrivano prima degli ospiti a seguito di un misterioso messaggio, ricevuto alla centrale di polizia, che preannuncia che un omicidio sarà compiuto quella stessa sera alla residenza. Quando tutti gli ospiti arrivano e i cocktails sono serviti, sopraggiunge un violento temporale, le luci si spengono, si sente una voce agonizzante che urla “Sesso! Sesso!” e un colpo di pistola. Le luci si riaccendono e una bionda sconosciuta, in lingerie nera, e in preda ad un amnesia compare davanti al cadavere con in mano un pugnale insanguinato. L’ispettore esamina il corpo e annuncia "E 'stato strangolato!” A questo punto il mistero ha inizio.
La pièce che può essere definita una comedy mistery è ambientata all’interno di una villa inglese, isolata e posta su un’alta scogliera dell’arcipelago delle Bermuda dove si incontrano personaggi particolarmente bizzarri e imprevedibili, messi sotto torchio da un ispettore, non proprio brillante, che indagherà sul delitto e scoprirà il colpevole in base a indizi più o meno nascosti e fuorvianti, colpi di scena, oggetti che scompaiono, si spostano e si “trasformano”, drink avvelenati, e molto altro. L’assassino è sicuramente una delle persone presenti nella villa, ma su chi ricadranno i sospetti dell’ispettore? Sul playboy francese o sulla cameriera jamaicana dall’accento particolarmente marcato? Sul giovane tennista o sul maggiordomo freddo e apatico o magari sulla bionda in lingerie?
“La comedy – spiega la regista - inizia sotto forma di soap opera dove emergono i rapporti contorti e malati fra i personaggi: triangoli amorosi, pettegolezzi, inganni, finte amicizie, snobismo, scambi di personalità. Poi la comedy diventa mistery con tutti gli ingredienti tipici del giallo deduttivo, che vede la polizia occupata a risolvere un caso di omicidio sorprendente ed esilarante dove la soluzione finale prevede il movente più bizzarro mai concepito per scoprire che cosa è successo mentre le luci erano spente.
Il testo è stato lasciato nella sua ambientazione inglese – continua la regista - quale è l’arcipelago delle Bermuda, così come i personaggi mantengono un atteggiamento e un comportamento tipicamente “inglese”. La letteratura, il cinema e il teatro sono ricchi di opere di genere giallo e mistery, pensiamo solamente ai gialli di Agatha Christie, o ancora al più famoso detective della storia: Sherlock Holmes. In questo caso la scelta è ricaduta su un’opera teatrale inedita in Italia, ma rappresentata di frequente negli Stati Uniti e in Inghilterra, e un ringraziamento va alla Samuel French Inc di New York, che mi ha concesso la traduzione e l’adattamento del testo, così da farlo conoscere anche al pubblico italiano appassionato di gialli".

TEATRO SAN GENESIO - via Podgora 1, Roma (Mazzini)
Dal 7 al 19 marzo 2017
dal martedì al sabato alle ore 21,00 - la domenica alle ore 17,00
Biglietto intero 15 euro; ridotto 12 euro.

Info e prenotazioni: telefono 06 3223432 - 338 5483473, mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo. - Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo.
Sito web: www.teatrosangenesio.it


COLPO BASSO
di Gianni Clementi
regia Ennio Coltorti
con Ennio Coltorti, Jesus Emiliano Coltorti e Germano Gentile

Giulio, un ragazzo esile e di buona famiglia, piuttosto refrattario alla violenza fisica e morale ma deciso a fortificare fisico e spirito, si presenta alla “Gladius”, una palestra di periferia, chiedendo lezioni di boxe a Cesare, l’allenatore/gestore che è intento a prepare Yussuf, un ragazzo africano dal fisico possente, da poco in Italia.
L’allenatore Cesare è un traffichino senza scrupoli che recluta ragazzi immigrati e li allena per farli diventare pugili, “aggiusta” incontri per lucrare sulle scommesse e organizza anche match clandestini. Ma è anche un uomo solo: non ha figli e conduce un’esistenza fondata sull’arte di arrangiarsi.
Dal canto suo, Giulio, nel rapporto rozzo e immediato con Cesare, scopre aspetti sconosciuti di sé stesso, mentre Yussuf tenta disperatamente di farsi largo nel mondo un po’ deludente in cui ha cercato rifugio. L’incontro/scontro “pugilistico” tra i tre innesca situazioni comicissime e paradossali.
Sembra infatti nascere fra persone così sideralmente distanti una grande amicizia, ma quando Giulio rivela la sua vera identità inizia l’ultimo, decisivo ed esilarante round.
Una commedia brillante dai ritmi frenetici che, però, come in tutti i testi di Gianni Clementi, lascia spazio anche a importanti riflessioni.

TEATRO NINO MANFREDI - via dei Pallottini 10, Ostia Lido
dal 7 al 19 marzo 2017
7, 8, 9, 10, 11, 14, 16, 17 marzo ore 21.00
12, 15, 19 marzo ore 17.30
18 marzo ore 17.30 e 21.00
Biglietti: Platea: Intero 24.00, Ridotto 21.00
Galleria: Intero 21.00; Ridotto 18.00

Info e prenotazioni: telefono 06 56 32 48 49, mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo.
Sito web: www.teatroninomanfredi.it


ROMEO E GIULIETTA… PACCAVANO ECCOME!
Di Mimmo Strati e Maria Elisabetta Alaimo
con Marisol Serago, Cesare Cesarini, Anita Pusceddu, Flavia Faloppa, Francesco Falco, Andrea Carpiceci, Giulia Debe', Arianna Polidori, Tommaso Moro
regia Mimmo Strati
aiuto regia Claudio Zaccaria
costumi Isaura Bruni
scenografia Compagnia dei Bardi
ufficio stampa Rocchina Ceglia
grafica Valiera Minelle

Torna a Roma dopo qualche anno uno spettacolo di grande successo. Il Romeo e Giulietta di Mimmo Strati, ambientato in un istituto scolastico in autogestione, ribalta le aspettative, rimanendo fedele all'originale ma allo stesso tempo risultando scherzoso nei confronti del testo, senza mai essere irriverente.
Un'attrice disoccupata si ritrova a gestire un corso di teatro in un istituto tecnico autogestito. Il testo trattato è Romeo e Giulietta del Bardo William Shakespeare. Il primo impatto non è facile: i suoi "allievi" nascondono le loro insicurezze dietro una facciata di aggressività e modi sgarbati e rudi. Le uniche entusiaste sono due giovani ragazze, una di famiglia aristocratica e imparentata con noti personaggi, l'altra timida, silenziosa e forse con qualche problema di anoressia. L'attrice/professoressa non si scoraggia davvero mai, facendosi aiutare dalla bellezza del testo, cercando anche di parlare con i suoi "allievi" che si rivelano parecchio problematici e tutt'altro che insensibili.
Lo spettacolo corre continuamente su due binari: dalla magia della poesia e del teatro si ritorna alla realtà quotidiana fatta di battute e gag, tra dichiarazioni d'amore alla squadra del cuore, e ricordi dolorosi che inevitabilmente il teatro fa riaffiorare. Il balcone è un banco di scuola, al rinfresco della festa da ballo in casa Capuleti ci sono patatine e coca cola, per fare la pioggia bastano due buste di plastica, ma la forza della storia trascina comunque. Uno spettacolo sulla scuola e sulla magia del teatro, al tempo stesso istruttivo e divertente, poetico e goliardico, ma anche un po’ malinconico.

TEATRO DELLE MUSE - via Forlì 43, Roma
dal 9 al 26 marzo (dal giovedì alla domenica)
giovedì e venerdì ore 21.00, sabato ore 17.00 e 21.00, domenica ore 18.00
biglietti Intero 22€ - Ridotto 16€

Info e prenotazioni: mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo. , telefono 06.44233649
Sito web: www.teatrodellemuse.it


Il Premio The Stage for Acting Excellence SILVIA GALLERANO in
LA MERDA
di CRISTIAN CERESOLI
Premio Fringe First for Writing Excellence
UNA PRODUZIONE FRIDA KAHLO PRODUCTIONS
CON RICHARD JORDAN PRODUCTIONS, PRODUZIONI FUORIVIA
IN COLLABORAZIONE CON SUMMERHALL (EDINBURGH) E TEATRO VALLE OCCUPATO (ROME)
PRODUZIONE ESECUTIVA & TOUR MANAGING MARCO PAVANELLI
TECNICO GIORGIO GAGLIANO

Dopo aver vinto l’oscar del teatro europeo e registrato un enorme successo di pubblico e critica in tutto il mondo, il poetico flusso di coscienza sulla condizione umana – il clamoroso fenomeno che ha da tempo rotto i confini del teatro e che viene accolto quasi fosse un concerto rock – ritorna in Italia, nonostante una sottile e persistente censura.
L’opera che ha scioccato e meravigliato il mondo al Festival di Edimburgo 2012 registrando il tutto esaurito anche nel ritorno al festival del 2013, continua senza sosta a raccogliere recensioni entusiaste dai più importanti media internazionali e un’accoglienza clamorosa in ogni città e villaggio, con Edimburgo, Copenhagen, Roma, Madrid, São Paulo, Milano, Glasgow, Berlino, Vilnius, Adelaide e il celeberrimo West End di Londra in cinque anni consecutivi di tutto esaurito, nonostante una sottile e persistente censura, in particolare in Italia.
Il “brutale, disturbante e umano” testo sulla condizione umana di Cristian Ceresoli, considerato “straordinario” dal Times, e che gli è valso il Fringe First Award for Writing Excellence per la scrittura, viene pubblicato in edizione bilingue Italiano–Inglese dalla Oberon Books di Londra nel 2012 ed è tradotto oltre che in inglese, in greco, danese, ceco, spagnolo, gallego, portoghese brasiliano e francese, mentre è in corso di traduzione in numerose altre lingue.
L’interpretazione “sublime e da strapparti la pelle di dosso” di Silvia Gallerano definita “straordinaria” dal Guardian viene accolta da più da cinque anni da commosse ovazioni. La Gallerano, che interpreta La Merda sia in inglese che italiano, e prossimamente anche in francese, è la prima attrice italiana a vincere il The Stage Award for Acting Excellence.
La Merda è un fenomeno che ha da tempo rotto i confini del teatro e viene seguito quasi fosse un concerto rock, con un’accoglienza clamorosa in ogni città e villaggio.
La Merda si manifesta come uno stream of consciousness dove, in poesia, si scatena la bulimica e rivoltante confidenza pubblica di una “giovane” donna “brutta” che tenta con ostinazione, resistenza e coraggio di aprirsi un varco nella società delle Cosce e delle Libertà.
La Merda ha come spinta propulsiva il disperato tentativo di districarsi da un pantano o fango, ultimi prodotti di quel genocidio culturale di cui scrisse e parlò Pier Paolo Pasolini all’affacciarsi della società dei consumi. Quel totalitarismo, secondo Pasolini, ancor più duro di quello fascista poiché capace di annientarci con dolcezza.
Dopo circa due anni di lavorazione in uno stato precario dovuto al boicottaggio e alla censura subiti in Italia, alla fine di Marzo del 2012 la Première Italiana de La Merda al Teatro i di Milano va completamente sold out, con replica straordinaria esaurita in poche ore. Ad agosto dello stesso anno, la versione in inglese de La Merda (The Shit) viene presenta in Prima Mondiale alla Summerhall, per il Fringe Festival di Edimburgo, dove ottiene un altro record di pubblico fino a diventare un Fringe Sell Out Show. Qui riceve critiche straordinarie e vince il Fringe First Award for Writing Excellence per la scrittura a Cristian Ceresoli, il The Stage Award for Acting Excellence per l’interpretazione a Silvia Gallerano e l’Arches Brick Award for Emerging Art oltre a una nomination per il Totale Theatre Award (mentre in Italia vince, tra gli altri, il Premio della Critica ANCT). Da quel momento un clamoroso e scioccante successo di pubblico e critica accompagna l’opera nel Tour Mondiale (incluse Londra, Madrid, São Paulo, Roma, Glasgow, Berlino, Vancouver, Vilnius, Copenhagen, Lisbona e Adelaide) con anni consecutivi di tutto esaurito nonostante una sottile e persistente censura continui a manifestarsi, in particolare in Italia. Intanto le produzioni del testo in altri paesi, come Danimarca e Brasile, vengono accolte con settimane di tutto esaurito e altrettanto successo di critica.

TEATRO DUE - vicolo dei Due Macelli 37, 00187 Roma
Dall'1 al 19 marzo, ore 21

Info e prenotazioni: telefono 06/6788259, mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo.
Sito web: www.teatrodueroma.it


SEI PERSONAGGI IN CERCA D’AUTORE
di Luigi Pirandello
con Carlo Valli, Marta Nuti, Selene Gandini, Alberto Mariotti, Giorgia Ferrara, Barbara Begala, Martino Duane, Giuseppe Rispoli, Maria Chiara Centorami, Roberto Mantovani, Germana Di Marino, Francesco Iaia, Alessandro Gorgoni
Scene Fabiana Di Marco – Costumi Daniele Gelsi
Actor Coach Melania Giglio
Adattamento e regia Daniele Salvo

Il mondo di Pirandello è un universo complesso fatto di linguaggi, visioni, sogni, miraggi, allucinazioni.
Nel suo universo il mondo dei vivi e il mondo dei morti si toccano, si sovrappongono, senza alcuna avvertenza.
Questi personaggi in cerca d’autore, figure evanescenti, diafane, sospese sul filo, ripetono all’ infinito, ossessivamente, le proprie brevi ed insignificanti esistenze. Sono funzioni linguistiche, spettri teatrali, vite fittizie.
La scrittura di Pirandello utilizza le armi della Fantasia per trovare nuove prospettive, per scoprire nuovi universi e definire nuove traiettorie. Il tentativo è quello di entrare direttamente nelle menti e nei cuori dei personaggi, nei loro desideri, nei loro affanni, nelle loro ansie e speranze disattese o soddisfatte.
L’equilibrio delicatissimo in cui si muovono tutte le figure del testo, compone un affresco di una potenza espressiva straordinaria….
Un unico raggio di luce cristallina attraversa la scena: è quella l’unica speranza, l’unica possibilità di un futuro luminoso.
Il vero unico luogo reale rimane però la mente umana, analizzata con gli strumenti dell’ironia pirandelliana, un attimo prima di un improbabile risveglio.

TEATRO GHIONE - Via delle Fornaci 37, 00165 Roma
dal 24 febbraio al 19 marzo 2017
dal martedì al sabato ore 21.00, domenica ore 17.00, lunedì riposo

Info e prenotazioni: mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo. , telefono 06 6372294 - 06 39670340
Sito web: www.teatroghione.it


Lorella Cuccarini in
LA REGINA DI GHIACCIO - Il Musical
ispirato alla Turandot di Giacomo Puccini
musica Davide Magnabosco, Paolo Barillari, Alex Procacci
testi Maurizio Colombi, Giulio Nannini
scene Alessandro Chiti, costumi Francesca Grossi
disegno luci Alessio De Simone, disegno suono Emanuele Carlucci
videografica Marco Schiavoni direzione musicale e arrangiamenti Davide Magnabosco
coreografie Rita Pivano
aiuto regia Davide Nebbia, assistente coreografie Francesco Spizzirri
con
LORELLA CUCCARINI nel ruolo di TURANDOT
PIETRO PIGNATELLI nel ruolo di CALAF
SIMONETTA CARTIA nel ruolo di CHANG’È,
SERGIO MANCINELLI nel ruolo di YAO,
VALENTINA FERRARI nel ruolo della strega TORMENTA
FEDERICA BUDA nel ruolo della strega GELIDA
SILVIA SCARTOZZONI nel ruolo della strega NEBBIA
GIANCARLO TEODORI nel ruolo di PING
JONATHAN GUERRERO nel ruolo di PONG
ADONÀ MAMO nel ruolo di PANG
PAOLO BARILLARI nel ruolo di ALTOUM
FLAVIO TALLINI nel ruolo del PRINCIPE DI PERSIA
LAURA CONTARDI nel ruolo di ZELIMA
ensemble
LUCA CONTINI, MARTINA GABBRIELLI, FILIPPO GRANDE, CAMILLA MAFFEZZOLI,
ANTONELLA MARTINA, ELEONORA PELUSO, IVAN TRIMARCHI
regia MAURIZIO COLOMBI

Dopo il successo di RAPUNZEL il musical, torna al Teatro Brancaccio Lorella Cuccarini in LA REGINA DI GHIACCIO il musical, ideato e diretto da Maurizio Colombi, ispirato alla fiaba persiana da cui nacque la Turandot di Giacomo Puccini.
Lorella Cuccarini interpreta il ruolo di una crudele e malefica regina vittima di un incantesimo, nel cui regno gli uomini sono costretti ad indossare una maschera per non incrociare il suo sguardo. Solo colui che sarà in grado di risolvere tre enigmi potrà averla in sposa. Riuscirà il Principe Calaf, interpretato da Pietro Pignatelli, a sciogliere il cuore di ghiaccio della regina con il calore e il fuoco del suo amore?
L'Opera lirica Turandot, incompiuta per la prematura scomparsa di Puccini, ebbe nelle varie edizioni dei finali distinti. Il moderno adattamento in musical di Maurizio Colombi, geniale regista che si conferma una delle menti più creative del genere Musical (suoi Rapunzel, Peter pan),dà una nuova chiave di lettura fantastica, più vicina alla sensibilità dei bambini, grazie all’inserimento di personaggi inediti: le tre streghe Tormenta, Gelida e Nebbia, fautrici dell’incantesimo, in contrasto con i consiglieri dell’imperatore Ping, Pong e Pang; un albero parlante, la Dea della Luna Changé, il Dio del Sole Yao. Un cast artistico formato da venti straordinari performer fra attori, cantanti, ballerini, acrobati.
Alessandro Longobardi, direttore artistico del Teatro Brancaccio, produce per Viola Produzioni questo nuovo grande musical, riconfermando la squadra vincente di Rapunzel: Maurizio Colombi, Lorella Cuccarini, oltre al prezioso cast creativo: Davide Magnabosco, Alex Procacci e Paolo Barillari per le musiche, Giulio Nannini per i testi, Alessandro Chiti per le scenografie, Francesca Grossi per i costumi, Alessio De Simone per il disegno luci Emanuele Carlucci per il disegno suono, Rita Pivano per le coreografie.
Non mancheranno in sala gli effetti speciali che abbattono la quarta parete coinvolgendo tutti gli spettatori, grazie all’utilizzo di immagini video realizzate con le più moderne tecnologie.
La musica originale, composta da 18 emozionanti brani musicali arrangiata e diretta da Davide Magnabosco mantiene dei riferimenti melodici ad alcune tra le più famose arie di Puccini ,come il celeberrimo Nessun dorma, rivisitato in chiave pop e di altri “grandi” dell’opera lirica.

TEATRO BRANCACCIO - via Merulana 244, 00185 Roma
Dal 4 marzo al 26 marzo 2017

Info e prenotazioni: mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo. , telefono 06 80687231
Sito web: www.teatrobrancaccio.it


COSE POPOLARI
di Nicola Pistoia, Francesco Stella, Ariele Vincenti
con Giordana Morandini, Nicola Pistoia, Francesco Stella, Ariele Vincenti
Regia Nicola Pistoia

Roma, oggi. Possedere una casa di proprietà o sostenere le spese per un affitto sono un lusso che Fabio, a causa delle precarie condizioni economiche e lavorative in cui versa, non può permettersi. E così, all’insaputa della compagna Patrizia, trascina il suo amico e cognato Stefano nel disperato tentativo di occupare abusivamente una casa popolare, ormai disabitata. A far loro da “guida” in questa avventura tanto illegale quanto inevitabile è Mario, il misterioso dirimpettaio amante della musica classica e della raccolta differenziata...
“Cose popolari”, scritto “a sei mani” da Nicola Pistoia (anche regista), Ariele Vincenti e Francesco Stella - in scena insieme a Giordana Morandini - sfrutta il tema degli illeciti e degli abusi che circondano il mondo degli alloggi popolari, tanto trattato nella cronaca degli ultimi tempi, come pretesto per raccontare quattro storie del popolo, quattro vite concrete che il destino ha deciso di intrecciare sul pianerottolo di un condominio. Cose popolari, appunto, ispirate a una vicenda vera, o forse a migliaia di vicende vere.

TEATRO 7 - Via Benevento 23, Roma
dal 28 febbraio al 19 marzo 2017

Info e prenotazioni: mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo. , telefono 06 442.36.382
Sito web: www.teatro7.it


Pippo Franco in
BRANCALEONE E LA SUA ARMATA
Il lato tragicomico dell'esistenza umana.
Regia Pippo Franco

Giovedì 2 marzo 2017 alle ore 21,00 debutterà al Salone Margherita, in prima nazionale, lo spettacolo “Brancaleone e la sua Armata - Il lato tragicomico dell’esistenza umana“ interpretato e diretto da Pippo Franco.
Il debutto segna il ritorno di Pippo Franco al Salone Margherita con una esilarante commedia ricca di comicità, divertimento, risate, ma non priva di contenuti e di momenti di riflessione.
Il comico romano, accompagnato dalla sua "armata" composta da attori ben noti al grande pubblico quali Gegia, Giacomo Battaglia e Gigi Miseferi, presenta uno spettacolo ricco di azione, sorprese, al limite del grottesco, con tanti colpi di scena ed un finale a sorpresa.

La trama vede Brancaleone, di ritorno dalla Terra Santa, dove ha combattuto quella che lui definisce la sua ultima battaglia, chiedere ospitalità ad un clerico eremita, uomo colto ed esperto cerusico al servizio del Vescovo di Trani. Da questo incontro scaturiscono una serie di avventure ed imprevisti che Brancaleone deve fronteggiare, rendendosi conto di aver vissuto metà della sua esistenza come uomo d’armi mentre l’altra metà, quella dell’esperienza dell’amore e della visione spirituale dell’essere, gli è rimasta sconosciuta. Aiutato da Colombello (Giacomo Battaglia), Brancaleone e la sua improbabile armata, vivono una serie di avventure, al limite del grottesco, che portano il cavaliere ad incontrare personaggi stravaganti come Marozzia (Gegia) e Folco (Gigi Miseferi), procedendo verso una consapevolezza di se' sempre maggiore.
Le sorprese si susseguono ad ogni scena dello spettacolo fra esaltazioni e depressioni che consentono a Brancaleone di conoscere l’amore e di incontrare la donna della sua vita. Un finale a sorpresa suggella le avventure dell’armata in una commedia che è liberamente ispirata ai film di Mario Monicelli e si presenta ricca di azione e di spunti di riflessione che, cavalcando un umorismo spesso involontario, rappresentano nel modo più sorprendente possibile il lato tragicomico dell’esistenza umana.
Accanto a Pippo Franco ed ai coprotagonisti sono inoltre in scena Gianni Quinto, Tonino Tosto, Sabrina Crocco, Sara Adami, Esther Vinci ed Elisabetta Angi'. Le coreografie sono di Evelyn Hanack.

SALONE MARGHERITA - via dei Due Macelli 75, 00187 Roma
Dal 2 marzo alle ore 21,00 al 19 marzo ore 16,30

Info e prenotazioni: mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo. , telefono 06 6791439
Sito web: www.salonemargherita.com


JULIE
di A. Strindberg
adattamento e regia Marco Blanchi
con doppio cast:
Primo Cast: Vincenzo Grassi (Jean), Livia De Luca (Julie), Valentina Mangoni (Kristin)
Secondo Cast: Valerio Rosati (Jean), Ilaria Salvatori (Julie), Valentina Mangoni (Kristin)
luci: Augusto Belli
foto: Costanza Cosi
Scene e costumi: Devila
Sound designer: Daniele Paesano

Dal 3 al 19 marzo, dal venerdì alla domenica, il Teatro Azione ospita Julie il capolavoro della pur vasta produzione drammaturgica dello scrittore svedese August Strindberg. L'adattamento e la regia sono a cura di Marco Blanchi che affida questa elegante storia ad un doppio cast. Infatti sul palco del Teatro Azione si alterneranno Livia De Luca, Ilaria Salvatori, Vincenzo Grassi, Valerio Rosati, Valentina Mangoni.
Questa “tragedia naturalistica”, come la definisce lo stesso autore, mette in scena tutta una serie di rapporti conflittuali, primo fra tutti, quello eterno fra uomo e donna, ma anche quello tra servo e padrona e, quindi, implicitamente il tema della lotta di classe. La vicenda è apparentemente elementare: la contessina Julie si invaghisce del suo servo Jean e, complice l'assenza del padre che si è recato in visita dai parenti, l' alcool e le danze sfrenate del ballo della servitù e la conturbante atmosfera della notte di mezza estate, decide di intraprendere un pericoloso gioco di seduzione fatto di sguardi, allusioni ed esplicite sfrontatezze che, però, finiscono per innescare un meccanismo perverso che lei stessa non riuscirà più a controllare, e che la porterà a trasformarsi da padrona in serva del suo servo fino al suicidio come ultimo e unico atto di riparazione per il suo onore calpestato e ferito. Ma oltre la semplice apparenza c'è molto, molto di più... perché i veri motivi di questa storia non si trovano, secondo me, in ciò che accade ma in tutto quello che si nasconde all'interno delle cose che vediamo accadere. E allora ecco che ad una lettura un po' più attenta si scopre che ai “semplici fatti” si aggiungono nuovi riflessi che vanno ad illuminare le parti più oscure e nascoste della psiche dei personaggi. Ed ecco che il testo smette di essere ciò che sembra, e cioè un breve viaggio nel rapporto fra un uomo e una donna o tra un servo e la sua padrona, e inizia a trasformarsi in un percorso molto più affascinante all'interno di due anime alle prese con i loro sogni, con il loro sesso e con la loro animalità.
“Come regista e come uomo di teatro sono sempre stato affascinato dall'invisibile che si nasconde all'interno di un'opera d'arte” spiega Marco Blachi “perché ritengo che proprio quell'invisibile sia ciò che può essere utile allo spettatore e quindi credo che il mio lavoro consista più che nel mettere in scena un testo teatrale, nel cercare di rendere visibile l'invisibile di quel testo. Ciò che mi ha spinto a lavorare su “La contessina Julie” non è legato a ciò che accade o accadrà in scena ma all'investigazione dell'io nascosto e profondo dell'essere umano”.

TEATRO AZIONE - via dei Magazzini Generali 34, Roma
dal 3 al 19 marzo 2017
ore 21.00 domenica ore 18.00
Primo cast: 3,4,5,18,19 marzo
Secondo cast: 10,11,12,17 marzo
Biglietti: intero 10,00 + 2,00 (tessera associativa), 8,00 + 2,00 (tessera associativa)

Info e prenotazioni: telefono 347 3402275, mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo.
Sito web: www.teatroazione.org


PRIMA DI [RI]FARE L’AMORE
di Marco Falaguasta, Alessandro Mancini
regia di Tiziana Foschi
con Marco Falaguasta, Marco Fiorini e Claudia Campagnola
Produzione LSD EDIZIONI srl

Uno spettacolo che è prima di tutto un racconto autobiografico dove Marco Falaguasta, attraverso il ricordo delle sue tante prime volte che la vita mette di fronte ad ognuno, cercherà il modo di parlare a sua figlia adolescente..
Il pretesto di raccontare una vita per parlare di tante vite: quelle che hanno attraversato gli anni 80-90. Vite segnate da moniti materni “mettiti la canottiera che ti asciuga il sudore”, vite al ritmo del compianto George Michael, Renato Zero, Greese. Di maschere a carnevale ereditate da fratelli, cugini, vicini di casa, di feste dove c’era LEI ma c’era anche il padre che ti apriva la porta: “a ragazzi’ togliti le scarpe che la signora de sotto s’arrabbia”! Vite timide alla ricerca del primo film a luci rosse pagato con i risparmi di una settimana e una volta riusciti ad entrare in sala (c’era chi si disegnava i baffi col pennarello per sembrare maggiorenne), ci si sedeva dietro a quello che fumava di più per respirare il primo fumo passivo... Marco Falaguasta li ricorda bene quegli anni con ironia e passione, ma oggi è chiamato ad affrontare l’unico “prima” che non può controllare: PRIMA DI FARE L'AMORE di una figlia adolescente. Che bagaglio gli hanno dato allora gli anni 80 e 90? Quali parole “giuste” gli avranno forgiato? Insieme a Marco Fiorini e a Claudia Campagnola, cercherà di dare le risposte adeguate.

TEATRO GOLDEN - Via Taranto, 36 00182 Roma
dal 21 febbraio al 19 marzo 2017
Spettacoli dal martedì al sabato ore 21.00 domenica ore 17.00. Lunedì e mercoledì riposo.
Prezzi intero € 26,00 + € 4 di prevendita; ridotto € 22,00 + € 3 di prevendita

Info e prenotazioni: mail Questo indirizzo email è protetto dagli spambots. E' necessario abilitare JavaScript per vederlo. , telefono 06.70.49.38.26
Sito web: www.teatrogolden.it


YVES MONTAND - UN ITALIANO A PARIGI
recital in due tempi con quartetto, pianoforte, contrabasso, batteria e sax/contralto
di e con Gennaro Cannavacciuolo
Pianoforte: Dario Pierini - Clarino-sax: Andrea Tardioli - Contrabasso: Flavia Ostini - Batteria: Antonio Donatone
Regia: Gennaro Cannavacciuolo
Aiuto regia: Valeria D’Orazio - Coreografie : Roberto Croce - Scene: Eva Sgrò - Luci: Michele Lavanga - Foto: Marco Salvadori - Fonica: Alfonso D’Emilio
Voci registrate: Patrizia Loreti e Marco Mete - Arrangiamenti: Dario Pierini e Andrea Tardioli - Produzione: Elsinor, Milano

Spettacolo voluto e co-finanziato dal Comune di Monsummano Terme (luogo natio di Yves Montand), nonché sostenuto alla vedova del grande artista, la Sig.ra Carol Amiel, si presenta come un “docu-recital”: partendo dagli albori toscani di Yves Montand, si arriva ai trionfi parigini, una vita lunga 70 anni (1921- 1991). Tutto questo e molto altro è “Yves Montand – Un Italiano A Parigi”, scritto, diretto ed interpretato da un sublime Gennaro Cannavacciuolo. Lo spettacolo sarà in scena al Teatro della cometa dal 22 febbraio al 19 marzo.

Le canzoni più significative dell’artista scandiscono le fasi salienti della sua vita e carriera, costellata da straordinari successi e da importanti impegni politici. Canzoni che hanno fatto storia: Les feuilles mortes, A Paris, Sur le ciel de Paris, C’est si bon, A bicyclette, C’est à l’aube, Jesuis venu à pied, Bella ciao, Mon manège à moi e Paris canaille….
La narrazione è di tipo cronologico e presenta, attraverso le canzoni, i momenti più rilevanti che hanno caratterizzato la vita fuori dal comune di Montand, all’anagrafe Ivo Livi: - Gli esordi: figlio di immigrati poveri, manovale instancabile dall’età di 12 anni che scopre il tuo talento, lo coltiva di notte lavorando di giorno. Inizia nei teatrini della periferia di Marsiglia sino ad approdare all’Olympia di Parigi e successivamente al Metropolitan di New York; - L’amore, ovvero gli incontri sentimentali della sua vita: Edith Piaf, Simone Signoret che sposerà nel 1951 ed a cui resterà legato per 35 anni, Marylin Monroe e Carole Amiel che sposerà e la quale gli regalerà la gioia della paternità; - Il cinema: il periodo di Hollywood, l’incontro con Costa-Gavras;
- Gli incontri con grandi uomini di cultura e politici; Prévert, Picasso, Apollinaire, Kruscev, Kennedy, Tito e Mitterrand.
Di stampo classico e di grande eleganza, la struttura del recital è quella del teatro-canzone dove brevi monologhi, aneddoti, curiosità e note importanti che raccontano la vita di Montand ne introducono le canzoni, il tutto corredato da interessanti effetti-luce. Oltre al pianoforte, Gennaro Cannavacciuolo è accompagnato dalla batteria, dal contrabasso e dal sax-clarino che, in alcuni momenti di grande suggestione, proporrà degli assoli con ritmi swing. Di grande impatto la proposta di tre numeri danzati con le claquette; Fred Astaire è stato un mito per Montand il quale emulava il ballerino americano e creerà il famoso numero Le garçon dansant. La scenografia si ispira a quanto inventò Montand negli anni ’50: l’orchestra sul fondo del palcoscenico, in posizione centrale, nascosta da un velatino verde che attraverso un gioco di luci, a seconda delle esigenze, evidenzierà in musicisti e non solo…

Gennaro Cannavacciuolo, attore e cantante, ha calcato le scene dei teatri più importanti di Italia ed è stato protagonista di pièces, music-hall e commedie musical che hanno fatto storia. Da un decennio ormai, si è cimentato con successo nel teatro-canzone, proponendo dei suoi recital da one-man-show. Tra le sue ultime creazioni spiccano, per attinenza a questo recital, gli spettacoli
monografici Milly – ritratto di una diva tra guerre, prìncipi, pop e variété e, soprattutto, Volare – omaggio a Domenico Modugno, il quale totalizzerà quest’anno 400 repliche dal 2010. Vi è quindi una logica di continuità nel lavoro di ricerca artistica sul personaggio di Yves Montand che Cannavacciuolo, da anni, ha sempre sentito particolarmente vicino a se, così come sentiva Domenico Modugno e Milly (Carla Mignone). Non sarà forse casuale se, proprio come Montand, Cannavacciuolo è attore e cantante, se danza con le claquette e se è, anch’egli, è reduce da difficilissimi esordi, proveniente da un paesino del sud.
Un’affinità artistica che Cannavacciuolo ha approfondito già da tempo, leggendo le biografie di Montand, studiando il suo percorso canoro, attoriale e di vita ed imparando le sue canzoni, sino al desiderio di creare un recital sul grande artista.
Il dato positivo è che tale desiderio derivante da una mera “affinità elettiva”, artistica, ben si sposa con la ricchezza e complessità della vita di Montand permettendo la messa in scena di uno spettacolo di sicuro interesse.

TEATRO DELLA COMETA - Via del Teatro Marcello 4, 00186 Roma
Dal 22 febbraio al 19 marzo 2017
Orario prenotazioni e vendita biglietti: dal martedì al sabato, ore 10:00 -19:00 (lunedì riposto), domenica 14:30 – 17:00 - Telefono: 06.6784380
Orari spettacolo: dal martedì al venerdì ore 21.00. Sabato doppia replica ore 17,00 e ore 21,00. Domenica ore 17.00. Costo biglietti: platea 25 euro, prima galleria 20 euro, seconda galleria 18 euro.

Info e prenotazioni: telefono 06-6784380
Sito web: www.teatrodellacometa.it


UN AMORE
un battello per Liepaja
di Aleksei Arbuzov - Pol Quentin
con Ania Sesia, Elena Cotta, Carlo Alighiero
Musiche elaborate da Enzo De Rosa
Scene Armando Mancini luci Mirco Maria Coletti
video di Andrea Carpiceci
libero adattamento e regia Carlo Alighiero

E’ alla fine di luglio dell’anno 1968, accanto al litorale del golfo di Riga, in Lettonia che ha inizio questa storia. I protagonisti sono il primario di una clinica Rodion Nikolaievitch (Carlo Alighiero) Lidija Vasil’evna, (Elena Cotta) e una affascinante gitana ( Ania Sesia ) che danza e canta bellissime canzoni russe.
Se non ci fosse stato l’incontro tra Lidia Vasil’evna e Rodion Nikolaievitch vissuto dai due come uno scontro, come un gioco d’amore, entrambi avrebbero continuato a vivere i loro giorni in modo sempre uguale. Lei ormai esclusa dal lavoro artistico accetta di fare la cassiera al circo godendo del successo dei suoi compagni. Lui continuando a far le ore piccole restando in attesa della figlia, che vive dall’altra parte del mondo, struggendosi al canto zigano per cacciare …. la malinconia mandando tutti al diavolo.
Un amore vissuto con pudore e intelligente ironia, all’insegna della fantasia e della grande tenerezza.
Nella commedia i ricordi, i sogni, i momenti salienti, le esperienze di vita si snodano, si intrecciano, si scontrano e si incontrano con ritrovata fiducia nella vita.

TEATRO MANZONI - via Monte Zebio 14/c, Roma
dal 23 febbraio al 19 marzo 2017
Orario spettacoli: dal martedì al venerdì ore 21 sabato ore 17-21 domenica ore 17.30., lunedì riposo. Martedì 14 marzo ore 19, giovedì 16 marzo ore 17 e ore 21. Biglietti: intero euro 25, ridotto euro 22.

Info e prenotazioni: telefono 06-3223634
Sito web: www.teatromanzoni.info


UN PAPÀ PER TUTTI
di Jhon Tremblay
Regia Flavio De Paola
Con Flavio De Paola, Maria Cristina Gionta, Enrico Franchi, Antonio Coppola,
Antonella Rebecchi, Marina Pedinotti

Una commedia degli equivoci che non manca di divertire lo spettatore grazie a situazioni tanto assurde quanto comiche e che non perde occasione di trattare, seppur con leggerezza, temi sociali legati all’adozione, alla famiglia e all’omosessualità, lasciando spazio alla riflessione. Le relazioni umane sono al centro dell’intera pièce teatrale e s’intrecciano formando nuovi e insoliti legami, spesso con colpi di scena.
Il protagonista Matteo, Flavio De Paola, quando finalmente sta per diventare padre adottivo, è vittima di ciò che non dovrebbe mai accadere in una simile situazione. Il suo rapporto di coppia si frantuma e le certezze svaniscono, lasciando spazio a improvvisi e folli equilibri in un “gioco” di menzogne e mezze verità.

TEATRO DEGLI AUDACI - via Giuseppe De Santis 29, 00139 Roma
Dal 2 al 19 marzo 2017
Tutte le sere ore 21,00 – domenica ore 18,00 – lunedì, martedì e mercoledì riposo
Orari botteghino: dal lunedì al sabato 10-13.30 / 16.00-20.00 ; domenica: 16.00-18.00.
Costo dei Biglietti: intero € 28 -/ € 16,00 – ridotto € 13,00
(più € 2,00 di prenotazione e prevendita)

 

Articolo di: Isabella Polimanti

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